[경건한 주말] 진한 아쉬움 남는 ‘인어공주’…편한 힐링물 ‘박하경 여행기’

“언더 더 씨~ 언더 더 씨~” 애니메이션 ‘인어공주’의 상징과도 같은 OST(오리지널 사운드트랙)가 다시 극장에 울려 퍼졌습니다. 흑인 배우를 주연으로 캐스팅한다는 소식이 알려지면서부터 숱한 논쟁을 낳은 ‘인어공주’가 지난 24일 개봉해 직접 봤습니다. 같은 날 공개된 ‘웨이브’의 힐링 드라마 ‘박하경 여행기’도 함께 챙겨봤습니다. ‘박하경 여행기’도 배우 이나영이 주연으로 나선다는 소식에 공개 전부터 소소한 화제를 모은 작품입니다. 말 많았던 인어공주, 다양성 추구는 좋지만… ‘인어공주’가 실사화 된 것은 40여년 만입니다. 1989년 월트디즈니컴퍼니가 공개한 원작 애니메이션 ‘인어공주’는 바다 왕국 ‘아틀란티카’의 인어공주 에리얼이 인간인 에릭 왕자와 사랑에 빠지며 벌어지는 이야기입니다. 빨간 머리의 에리얼 공주와 귀여운 바닷속 생물들이 펼치는 이야기는 전 세계 어린이들을 사로잡았습니다. 개봉 당시 전 세계에서 2억 3500만 달러(3120억여 원)에 달하는 수익을 거두는 대흥행을 거뒀습니다. 시간이 흘러 성인이 된 이들은 동심 속 인어공주가 실사로 재현된다는 소식에 큰 기대를 품었지만, 예상을 크게 빗나가는 캐스팅에 당혹감을 숨기지 못했습니다. 2019년 인어공주 에리얼 역에 흑인 배우 핼리 베일리가 낙점된 겁니다. 이때부터 디즈니를 둘러싼 논쟁이 시작돼 지금까지도 이어지고 있습니다. 디즈니를 비판하는 쪽은 “‘정치적 올바름’(PC·political correctness) 추구가 지나치다”라는 지적을 내놨습니다. 19세기 덴마크 작가 안데르센의 작품인 인어공주의 주인공이 흑인이라는 설정은 개연성을 크게 해친다는 주장입니다. 원작 애니메이션을 통해 수십 년간 익숙해진 백인 인어공주 에리얼의 이미지와 너무 다르다며 디즈니를 비난하는 글이 트위터를 비롯한 SNS에서 쏟아졌습니다. 전형적인 미인으로 그려진 에리얼의 이미지와 맞지 않는다는 이유로 베일리의 외모를 비판하는 이들도 많았습니다. 그러나 일각에서는 “인어공주 자체가 가상의 인물”이라며 흑인이라는 설정에 아무런 문제가 없다는 반박을 내놨습니다. 그러면서 디즈니를 비판하는 이들이 인종차별적이고 외모지상주의적 사상에 사로잡혀 있다고 비판했습니다. 인어공주가 흑인이라는 소식에 눈물까지 흘리며 기뻐하는 흑인 소녀들의 동영상이 한때 인터넷에서 확산하기도 했습니다. 논란이 불거지자 디즈니는 산하 채널 프리폼(freeform) 인스타그램 계정에 ‘불쌍하고 불행한 영혼들에게 보내는 공개편지’라는 제목의 글을 올려 “덴마크 ‘사람’이 흑인일 수 있으니 덴마크 ‘인어’도 흑인일 수 있다”고 공개 반박했습니다. 숱한 논란 끝에 베일을 벗은 영화 ‘인어공주’는 분명 낯설긴 했지만, 한편으론 신선했습니다. 핼리 베일리는 말괄량이 막내공주 에리얼 역을 무난하게 소화했습니다. 그의 피부색은 영화를 감상하는데 전혀 문제가 되지 않았습니다. 특히 베일리의 노래 실력은 감동을 자아낼 정도로 대단했습니다. ‘파트 오브 유어 월드’(Part of Your World)에서 베일리가 보여주는 완급 조절은 수준급이었습니다. 가장 유명한 OST인 ‘언더 더 씨’(Under the Sea)에선 온갖 바다생물이 총출동해 눈과 귀를 즐겁게 합니다. 총천연색의 해양 동물들이 한 데 모여 연출하는 뮤지컬 공연은 영화의 하이라이트입니다. 다만 이 곡에서 비중이 에리얼 못지않은 붉은색 게 ‘세바스찬’의 파트는 호오가 갈릴 수 있겠다는 생각이 듭니다. 가수 겸 배우인 다비드 디그스의 목소리 연기는 익살스러우면서도 자연스럽긴 하지만, 중저음에 영국식 억양이 매력적인 고(故) 사무엘 라이트의 ‘원조 세바스찬’에 익숙한 관객에게는 성에 차지 않을 수 있겠습니다. 인어공주에서 가장 매력 있는 캐릭터는 ‘바다마녀’ 울슐라(멀리사 맥카시)입니다. 베테랑 배우 맥카시는 외양부터 원작의 울슐라와 높은 ‘싱크로율’을 보이는데, 연기와 노래 실력까지도 흠잡을 데 없습니다. 하지만 기본적인 스토리 라인이 원작과 다를 게 없는 점은 아쉽습니다. 인간 세상을 동경하던 에리얼은 난파 사고를 당한 에릭 왕자(조나 하우어 킹)를 구하다 그와 사랑에 빠집니다. 에릭을 만날 방법을 찾던 에리얼은 결국 마녀 울슐라를 찾아가고, 인간의 다리를 얻기 위해 아름다운 목소리를 울슐라에게 내어줍니다. 에릭과 사랑의 키스를 하지 못하면 울슐라의 노예가 된다는 불리한 ‘특약’에도 동의합니다. 에릭 왕자는 자신을 구해준 여성을 찾기 위해 온 왕국을 수색하게 하지만, 정작 눈앞에 나타난 에리얼을 알아보지는 못합니다. 말을 하지 못하는 에리얼은 자신이 에릭을 구했다는 사실을 알리지 못하는 가운데, 울슐라의 방해공작으로 두 사람의 인연은 영원히 엇갈릴 위기에 놓입니다. 롭 마샬 감독이 연출한 ‘인어공주’는 결말까지도 원작 애니메이션과 일치합니다. 기존 디즈니 실사화 영화들처럼 애니메이션을 그대로 스크린에 옮겨 놓고, 에리얼만 흑인으로 바꾼 수준인 겁니다. 아쉬움은 여기서 비롯됩니다. 원작의 스토리 라인을 그대로 답습한 리메이크 작품이 호평을 받을 수 있는 방법은 ‘완벽한 추억 재현’에 성공하는 겁니다. 하지만 작품에서 가장 중요한 인물인 주인공 캐릭터를 완전히 바꾼 시점부터, 디즈니는 ‘추억 재현에 초점을 맞추지 않겠다’고 선언한 것과 마찬가지입니다. 주인공 캐릭터를 21세기에 맞게 바꾸는 과감한 선택을 했다면 스토리 역시 파격적인 변주를 줘야 마땅합니다. 그렇지 않으면 베일리를 캐스팅한 것은 ‘쇼’에 불과한 것이 됩니다. 그러나 결과적으로 디즈니는 ‘원작의 틀을 깨겠다’고 공언하고 원작의 틀에 갇혀버렸습니다. 130분에 달하는 러닝타임이 다소 지루하게 느껴지는 것도 이 때문입니다. 아쉬운 점은 더 있습니다. 인어공주의 컴퓨터 그래픽(CG)은 2023년 디즈니에서 내놓은 작품치고는 기대에 못 미칩니다. 쉽게 말해 ‘CG 티’가 많이 납니다. 전반적으로 어두운 톤의 화면도 불만입니다. 물론 최근 개봉한 영화들의 화면이 어둡다는 것은 비단 디즈니만의 문제는 아닙니다. 그러나 ‘인어공주’ 마무리 단계에서 에리얼과 에릭이 힘을 합쳐 울슐라를 무찌르는 씬은 ‘캐리비안의 해적’을 연상케 할 정도입니다. 공교롭게도 롭 마샬 감독은 실제로 ‘캐리비안의 해적: 낯선 조류’를 연출한 바 있습니다. 실사화 된 동물 캐릭터들은 호불호를 가를 요소입니다. 실사화한 ‘라이온킹’(2019)에서도 지적받은 것처럼, 실제 동물과 너무 닮은 영화 속 캐릭터들은 표정 변화가 크지 않아 감정이 잘 느껴지지 않습니다. 특히 ‘인어공주’에서 에리얼의 단짝인 노란색 로열 엔젤피쉬 ‘플라운더’는 실사화를 거치면서 흰색 계열의 해포리고기로 변했는데, 일부 관객들 사이에선 ‘횟감 같다’는 평가가 나올 정도입니다. 이에 대해 롭 마샬 감독은 ‘할리우드 리포터’와 인터뷰에서 “물고기처럼 보이지 않는 가자미를 만들거나, 게처럼 보이지 않는 게를 만들 수 없었다”고 설명했습니다. 가장 중요한 에리얼 캐릭터를 둘러싼 논란도 짚고 넘어가보겠습니다. 그간 베일리는 단순한 외모 평가를 넘어 인신공격을 받아왔습니다. 비난의 수준이 지나쳐 동정심이 생길 정도였습니다. 국내 누리꾼들도 이로부터 자유로울 수 없습니다. 한 남초(男超) 인터넷 커뮤니티는 베일리의 외모를 꾸준히 지적하며 온갖 혐오 표현을 만들어냈는데, 최근 유명 축구선수 ‘비니시우스 주니오르’(레알 마드리드)가 인종차별과 외모 비하를 당했다는 소식에는 공분하는 촌극을 보여주기도 했습니다. 타고난 외모나 피부색을 이유로 누군가를 비판하고 비난하는 것은 허용 되어선 안 될 인신공격이라는 사실은 분명합니다. 하지만, 특정 배우의 이미지가 특정 배역에 어울리느냐를 따지는 것은 전혀 다른 문제입니다. 특히 논란의 캐릭터에 팬들의 추억이 어려 있다면, 이것은 단순히 인종차별로 몰고 갈 문제는 아닙니다. 영화 ‘잭 리처’ 시리즈가 대표적인 사례입니다. 영화는 동명의 소설을 원작으로 하는데, 주인공으로 톰 크루즈가 캐스팅 됐을 때 현지 소설 팬들이 들고 일어났습니다. 당연히 톰 크루즈의 피부색이나 외모가 논란의 원인은 아니었습니다. 195cm의 거구에 근육질 몸매를 자랑하는 소설 속 주인공이 톰 크루즈와는 어울리지 않는다는 이유였습니다. 디즈니 실사화 영화 ‘알라딘’(2019)도 비슷한 논란이 있었습니다. 윌 스미스가 연기한 푸른 피부의 램프 요정 ‘지니’가 기괴하게 생겼다는 평가가 개봉 전부터 확산됐습니다. 그러나 윌 스미스 특유의 유머러스한 매력과 호연은 우려를 종식시켰고, 국내에서만 1300만여 명의 관객을 불러 모으는 등 글로벌 히트를 쳤습니다. 그러나 핼리 베일리가 에리얼을 통해 보여준 매력과 연기가 윌 스미스의 ‘지니’와 비견할 만하냐고 묻는다면, 망설임 없이 ‘그렇다’고 답할 관객은 많지 않을 듯합니다. 일부 관객의 지적처럼, 기자 역시 베일리의 연기가 어색한 대목이 꽤 있다고 느꼈습니다. 특히 에리얼이 바위 뒤에 숨어 에릭 왕자를 지켜보는 장면에선 상당한 이질감이 들었습니다. 그래서인지 베일리가 에일리 역에 ‘찰떡’이라는 느낌이 들지는 않았습니다. 몰입을 해치는 작위적 설정도 이제는 깊은 고민이 필요해 보입니다. 우리 사회는 다양성을 존중해야 하고, 이를 위해 정치적 올바름을 지향해야 한다는 데에는 꽤 많은 사람이 동의합니다. 메소포타미아 신화에 등장하는 ‘길가메쉬’를 마동석이 연기할 수 있었던 것도 이러한 기조 덕분이라는 것은 부정할 수 없습니다. 그러나 피부색과 억양이 모두 다른 ‘인어공주’ 속 일곱 공주는 ‘인종 할당제’를 보는 것 같아 어색하기만 합니다. 일곱 공주의 인종이 모두 다르다는 건 트라이튼 왕이 여색에 빠져 7대양을 돌아다닌 호색한이라는 뜻이 될 수 있습니다. 다양성과 연대라는 메시지를 위해 개연성이라는 영화의 초석까지 무너뜨려선 안 됩니다. 정치적 올바름에 지나치게 매몰되면 자가당착에 빠지기도 쉽습니다. 바다마녀인 울슐라가 원작과 동일한 뚱뚱한 여성 캐릭터인 것은 비만 여성에 대한 편견을 강화하는 것 아니냐고 지적했을 때 디즈니가 명쾌한 답을 내놓을 수 있을까요. 영화는 사회적 메시지를 전할 수 있는 훌륭한 수단이지만, 메시지 전달에만 집중해 본말이 전도되는 일은 없어야 합니다. 영화 ‘피아니스트’(2003)의 미하엘 하네케 감독은 “이 영화의 메시지가 뭐냐”고 묻는 한 기자의 질문에 “메시지? 메시지는 우체국에나 가서 찾아라”라고 일갈했습니다. 이야기를 전하는 데 집중하면 메시지는 자연스레 관객의 마음에 새겨집니다. 우리 사회에 다양성이 필요하다는 메시지는 억지스러운 설정을 통해서가 아니라, 치밀한 서사와 연출을 통해 전달해야 울림을 줄 수 있습니다. 영화 ‘알라딘’은 실사화와 함께 자스민의 주제곡이자 주체적인 여성이라는 메시지가 담긴 새로운 사운드 트랙 ‘스피치리스’(Speechless)를 선보였고, 징그럽고 늙은 악당 ‘자파’도 젊고 야심찬 캐릭터도 바꾸는 등 노력을 기울였습니다. ‘인어공주’는 인터넷에서 평점 테러가 일어나고 조작을 동반한 악평이 넘치는 것도 사실이지만, 실제로 돈을 내고 실제로 영화를 관람한 관객들의 평가도 그리 좋지는 않습니다. 실관람객만 평가를 남길 수 있는 CGV 골든에그 지수는 26일 현재 75%에 머물러 있습니다. 흥행에 제일 중요한 예매율 성적도 좋지 않습니다. 26일 오전 실시간 예매율을 보면 오는 31일 개봉하는 마동석 주연의 범죄 액션영화 ‘범죄도시 3’이 51.1%로 압도적인 1위고, ‘인어공주’는 10%대(13.7%)에 그쳤습니다. 자극 사막 속 힐링 오아시스…‘박하경 여행기’ 24일 국내 온라인동영상서비스(OTT)인 ‘웨이브’에서 공개된 ‘박하경 여행기’는 방랑벽이 도진 내성적인 고등학교 국어 교사 박하경(이나영)의 여행기를 그린 드라마입니다. ‘삼진그룹 영어토익반’의 이종필 감독이 처음 연출을 맡은 드라마입니다. 드라마 속 박하경은 사라져 버리고 싶을 때마다 해남, 군산, 부산, 속초 등 전국 각지로 배낭여행을 떠납니다. 이나영의 조곤조곤한 나레이션과 함께 나른하고 편안하게 감상할 수 있는 힐링 드라마입니다. 빠른 템포로 진행되는 자극적인 웹 예능과 드라마에 지쳐 여유롭게 감상한 콘텐츠를 찾는 이들에게 추천할 만합니다. 각 회차가 25분 안팎으로 짧게 구성된 ‘미드폼’이고 옴니버스식 구성이라는 점도 가볍게 즐길 수 있는 요소입니다. 1화는 토요일 아침부터 해남에 도착한 박하경으로 시작합니다. 하경은 템플스테이를 신청했지만 절에서 잠을 자지는 않겠다고 합니다. “왜요”라고 묻자 하경은 심드렁한 말투로 “그러고 싶어서요”라고 답합니다. 절에서 명상을 하면서도 잡념에서 벗어나지 못하는 하경을 중심으로 소소한 웃음을 유발합니다. 녹음이 우거진 자연경관을 감상하는 맛도 있습니다. 하경은 매 회차마다 새로운 여행지를 찾아 새로운 사람을 만납니다. 1화에는 배우 서현우가 절에서 템플스테이 중인 소설가로, 배우 선우정아가 묵언수행 중인 ‘정아’로 출연하고, 2회에는 배우 한예리가 박하경의 옛 제자로 나옵니다. 구교환, 길해연, 박세완, 박인환, 신현지, 심은경, 조현철 등이 출연하는데, 모두 특별출연입니다. 이나영 지난 23일 CGV 용산아이파크몰에서 열린 기자간담회에서 드라마의 특징에 대해 “다들 굉장히 빠르게, 최근 특히 더 빠르게 흘러가는 시대잖아요. 그냥 우리가 잠시라도 '멍' 때리는 시간이 필요한 것 같아요”라며 “그럴 때 거하지 않게 그냥 편하게 보면서 공감할 수 있는 작품인 것 같습니다”라고 말했습니다. 이나영의 설명처럼 드라마 속 여행 내용은 소소합니다. 극중 하경도 “걷고, 먹고, 멍 때리는 여행기”를 추구합니다. 가는 곳마다 만나는 범상치 않아 보이는 사람들이 만들어내는 뻘쭘한 순간들은 은근한 긴장감을 불어넣기도 합니다. 그 와중에 툭툭 던지는 대사들은 생각을 자극합니다. 마구 재밌진 않은데, 이상하게 빠져들면서 보게 하는 힘이 있습니다. 부산 여행기를 다룬 3화는 부산 시민들이 보기에 재밌는 공감 요소들이 있습니다. 푸석푸석한 '똑단발'을 한 이나영의 매력과 연기도 돋보입니다. 8부작인 ‘박하경 여행기’는 24일 4화까지 공개됐습니다. 5~8화는 오는 31일 수요일 오전 11시에 업데이트 될 예정입니다.

2023-05-26 [16:20]

[경건한 주말] 심장 떨리게 재밌는 ‘슬픔의 삼각형’과 ‘분노의 질주’

심장이 쿵쾅거리게 하는 영화가 있습니다. 공포영화를 제외하면, 서사를 예측할 수 없는 드라마나 손에 땀을 쥐게 하는 액션 영화들이 그렇습니다. 지난 17일 개봉한 ‘슬픔의 삼각형’과 ‘분노의 질주: 라이드 오어 다이(Ride or Die)’는 심장 박동을 재촉하는 영화입니다. 정신없이 휘몰아치는 블랙코미디 ‘슬픔의 삼각형’은 관객을 향해 근본적인 질문을 던집니다. 작정하고 만든 액션 영화인 ‘분노의 질주’는 피가 끓어오르게 합니다. 칸이 반한 블랙코미디 ‘슬픔의 삼각형’ 초호화 크루즈에 갑부들이 모여 사치를 즐깁니다. 현대판 귀족인 억만장자와 승조원의 권력 관계는 뚜렷합니다. 그러나 얼마 못가 배가 침몰하고 소수의 생존자가 무인도에 조난당한 뒤에는 상황이 완전히 역전됩니다. 지난 17일 개봉한 ‘슬픔의 삼각형’은 블랙코미디의 거장인 스웨덴의 루벤 외스틀룬드 감독이 내놓은 신작입니다. 영화는 지난해 12월 개봉한 ‘더 메뉴’를 연상케 합니다. 초호화 요트에 올라탄 사회 상류층과 젊은 선남선녀 커플이 외부와 단절되면서 벌어지는 이야기라는 설정이 아주 흡사합니다. 상류층 승객들의 끊임없는 탐욕과 허영심이 정죄의 대상이라는 점도 같습니다. ‘슬픔의 삼각형’은 크게 3부로 구성됐습니다. 1부는 모델 커플인 ‘야야’(샬비 딘)와 ‘칼’(해리스 디킨슨)을 중심으로 흘러갑니다. 야야는 잘 나가는 여성 모델이고, 칼은 ‘슬픔의 삼각형’을 가진 남자 모델입니다. 업계 용어인 ‘슬픔의 삼각형’은 무표정을 짓고 있어도 두 눈썹과 콧대 맨 윗부분 사이의 ‘삼각지대’에서 슬픔이 느껴지는 것 같은 현상을 가리킵니다. 외스틀룬드 감독은 극중 캐릭터를 극도로 어색한 상황에 몰아넣고는 홀연히 떠나버리는데 아주 능숙합니다. 이런 상황에서 극중 인물이 내리는 어리석은 결정은 인간의 본성에 대한 통렬한 풍자입니다. ‘슬픔의 삼각형’에서도 이런 민망한 상황들은 끊임없이 이어집니다. 칼은 자신보다 수입이 많은 야야가 데이트 비용을 내는데 인색한 것을 두고 불만을 드러냅니다. 그는 야야에게 “우리가 전통적 성 역할에서 벗어났으면 좋겠다”, “서로 평등한 사이였으면 좋겠다”고 외칩니다. 말다툼 뒤 혼자 남게 된 칼은 “페미는 무슨”이라며 야야를 비웃습니다. 외스틀룬드 감독이 부인과 실제로 벌였던 논쟁을 재구성한 이 시퀀스는 씁쓸한 웃음을 자아냅니다. 2부는 2억 5000만 달러짜리 초호화 크루즈에서 시작합니다. 인플루언서인 야야는 협찬을 받아 칼과 함께 크루즈에 올랐지만, 나머지 승객은 초거대 부호들입니다. 돈으로 뭐든 할 수 있는 이 자본가들은 ‘갑질’을 일삼습니다. 입으로는 “우리는 다 평등하잖아”라고 말하면서도 승조원에게 곤란한 지시를 내리는 억만장자의 모습은 현실을 지독하게 반영한 것입니다. 무표정일 때 부정적인 감정을 보는 ‘슬픔의 삼각형’처럼, 이 허영심와 자아도취에 빠진 부자 승객들도 문제가 없는 상황에서 문제를 보고 시정을 요구합니다. 외스틀룬드 감독은 크루즈를 폭풍 속으로 몰아넣고 부자들의 밑바닥을 까발립니다. 요리사까지도 워터 슬라이드를 타도록 지시한 부자 승객은 결국 상한 음식과 멀미 탓에 토사물을 마구 쏟아냅니다. 여기저기서 부자들이 구토를 참지 못하고, 이리저리 쓰러지고, 화장실에서 굴러다닙니다. 요동치는 크루즈에서 ‘미국인 마르크스주의자’인 선장(우디 해럴슨)이 만취한 채 ‘러시아 자본주의자’ 디미트리(즐라트코 버릭)를 상대로 벌이는 논쟁은 압권입니다. 크루즈가 사고로 침몰한 뒤 시작되는 3부의 전개도 흥미진진합니다. 무인도에 남겨진 생존자 8명은 모델 커플과 부유한 백인 중년 남성들, 승조원들의 리더인 폴라(비키 베를린), 그리고 천대받던 화장실 청소부이자 필리핀 여성 승조원인 애비게일(돌리 드 레옹)입니다. 크루즈에선 뭐든 할 수 있었던 부자들은 무인도에선 쓸모없는 존재에 불과합니다. 불도 피울 줄 모르고, 해산물을 잡을 수도 없습니다. 그러자 권력구조는 순식간에 재편됩니다. 결국 영화의 핵심 주제는 3부에 집약됐습니다. 권력의 분배 방식과, 권력을 탐하게 되는 이유, 그리고 권력을 유지하기 위해 만행을 벌이게 되는 과정을 신선하게 그려냈습니다. 충격적인 열린 결말은 엔딩 크레딧이 올라온 뒤에도 쉽게 자리에서 일어나지 못하게끔 합니다. 외스틀룬드는 이 영화로 지난해 제75회 칸 국제영화제에서 황금종려상을 받았습니다. 그가 황금종려상을 받은 것은 ‘더 스퀘어’(2017)에 이어 이번이 두 번째입니다. 주제가 무거워 보이는 ‘슬픔의 삼각형’이지만, 영화 곳곳에 녹아있는 외스틀룬드 특유의 블랙코미디는 웃음을 자아냅니다. 찌질한 칼의 표정, 속물근성을 버리지 못하는 갑부 드미트리는 진지한 순간에도 헛웃음이 나게 합니다. 하지만 옅은 미소를 띠다가도 미간을 찌푸리게 하는, 그야말로 종잡을 수 없는 흐름이 바로 ‘슬픔의 삼각형’이 가지고 있는 매력입니다. 물론 비판할 점도 있습니다. 풍자가 너무 직접적이고 가혹하다는 지적입니다. 영국 가디언지 수석 영화평론가인 피터 브래드쇼는 “거대 부호에 대한 가혹한(heavy-handed) 풍자”라며 5점 만점에 2점을 매기는 데 그쳤습니다. 브래드쇼의 비판은 설득력이 있습니다. 예컨대 비료장사를 하는 러시아 부자 디미트리는 스스로 “똥을 팔아 부자가 됐다”고 말하고 다닙니다. 난파 직전의 크루즈에선 변기가 폭발하며 똥물이 곳곳에 흐르고, 부자들은 말 그대로 똥물을 뒤집어쓰게 됩니다. 수류탄을 팔아 부자가 됐다는 영국 노부부 윈스턴과 클레멘타인은 처칠 전 총리 부부와 이름이 같습니다. 블랙코미디의 백미는 은근한 사회 풍자인데, ‘슬픔의 삼각형’ 속 메시지나 메타포는 직접적이고 노골적입니다. 물론 이에 대한 반론도 있습니다. 같은 가디언지 소속 기자인 알렉스 니드험은 “우리 시대를 위한 영화”라며 “우리가 뉴스를 통해 알 수 있듯이, 갑부들은 저속하다”고 일갈했습니다. 한편, ‘슬픔의 삼각형’은 남아프리카공화국 출신 배우 샬비 딘의 유작이기도 합니다. 영화에서 모델 야야를 연기한 그는 이 영화로 칸 영화제에서 주목 받은지 얼마 지나지 않은 지난해 말, 32세의 나이에 세균성 패혈증으로 숨졌습니다. 분노의 질주: 라이드 오어 다이, 무조건 4DX로 봐야하는 이유 기자는 자동차가 시원하게 질주하는 장면이 자주 나오는 영화는 꼭 4DX 포맷으로 관람합니다. ‘매드맥스: 분노의 도로’(2015)나 ‘포드 V 페라리’(2019)를 4DX 관에서 보면 마치 영화 속 자동차에 타고 있는 것 같은 기분을 느낄 수 있습니다. 카체이싱 액션의 대명사인 ‘분노의 질주’는 두말 할 것도 없습니다. 지난 17일 개봉한 ‘분노의 질주: 라이드 오어 다이’의 4DX 효과는 가히 ‘역대급’이라 평할 수 있습니다. 영화는 ‘분노의 질주’ 시리즈 10번째 작품으로, 전설의 레이서 ‘돔’(빈 디젤 분)과 그 패밀리가 새로운 빌런 ‘단테’(제이슨 모모아)의 함정에 빠지면서 벌어지는 이야기입니다. 분노의 질주가 팬들에게 20년 넘게 사랑받을 수 있었던 비결이 ‘스토리’에 있다고 하기는 어려울 겁니다. 가족애라는 핵심 메시지, 뚜렷한 선과 악의 대결 구도, 그리고 무엇보다 화려하고 화끈한 자동차 액션을 통한 쾌감이 시리즈의 최대 강점입니다. 스케일은 속편이 거듭될수록 커졌습니다. 2017년 개봉한 9번째 시리즈 ‘더 얼티메이트’에선 핵잠수함이 북극 얼음판을 깨고 솟구치는 수준에 이르렀습니다. 이미 갈 때까지 간 것처럼 보이는 ‘분노의 질주’였지만, 루이스 리터리어 감독은 아직 보여줄게 남아 있었습니다. ‘라이드 오어 다이’는 그야말로 ‘끝장 액션’을 선보입니다. 차량 수십 대가 박살나고 버스가 말 그대로 찢어지는 장면들이 별일 아니라는 듯 순식간에 지나갑니다. 여타 영화에선 아끼고 아끼다 클라이맥스로 한 번 보여줄 법한 대규모 액션 씬들이 ‘라이드 오어 다이’에선 예삿일입니다. 그러다 보니 4DX관 의자도 쉴 새 없이 흔들립니다. 가만히 앉아 감상하는 시간보다 의자에서 등이 떨어져 있던 시간이 더 많았던 것 같습니다. 팝콘이나 콜라 같은 간식거리를 들고 오지 않은 게 다행이라 느껴질 정도였습니다. 영국 런던, 포르투갈 리스본 등 세계 곳곳에서 펼쳐지는 액션 씬들은 모두 훌륭하지만, 최고의 하이라이트는 영화 초반 이탈리아 로마 시퀀스입니다. 맹렬한 기세로 굴러가는 구형 폭탄을 돔과 동료들이 추격하면서 도시가 말 그대로 초토화 되는데, 특유의 촬영기법과 연출로 박진감을 극대화시켰습니다. 화려한 출연진도 매력적입니다. 돔의 ‘오리지널’ 패밀리들은 물론이고 전작에 등장했던 ‘제이콥 토레토’(존 시나), ‘데카드 쇼’(제이슨 스타뎀) 등 스타들이 한 데 모였습니다. 전작 빌런인 ‘사이퍼’(샤를리즈 테론)와 돔의 아내 ‘레티’(미셸 로드리게스)의 격렬한 맨몸 액션은 혀를 내두르게 합니다. 또 ‘테스’(브리 라슨), ‘이사벨 네베즈’(다니엘라 멜키오르), ‘에임스’(앨런 리치슨) 등 ‘뉴페이스’들도 중요한 역할을 맡았습니다. 가장 중요한 ‘신입 캐릭터’는 초강력 빌런인 ‘단테’(제이슨 모모아)입니다. 단테는 ‘분노의 질주: 언리미티드’(2011)에서 돔과 패밀리가 무찔렀던 브라질 마약왕의 아들로, 10년 동안 준비한 복수를 실행해 돔을 위기에 빠트립니다. ‘아쿠아맨’(2018)으로 얼굴을 알린 제이슨 모모아는 이번 작품에서도 유쾌하고 뺀질뺀질한 매력을 선보였는데, 소시오패스 악당이라는 설정 탓에 ‘다크나이트’의 조커를 연상시킵니다. 다만 이번 작품에서도 스토리는 많이 아쉽습니다. 전체적으로 개연성이 떨어지고, 반전 요소가 억지스럽습니다. 단테는 매력적인 빌런이지만, 지나치게 전지전능해 보여 설득력이 떨어집니다. 분노의 질주 특유의 비현실적이고 과한 액션 역시 호불호를 가르는 요소가 될 수 있겠습니다. 돔은 이번도 물리적으로 불가능해 보이는 액션으로 온갖 난관을 헤쳐 나갑니다. ‘아이언맨’ 슈트 정도는 입어야 살아남을 법한 충격을 당하고도 멀쩡하고, 악당이 쏜 저격총 총알은 자동차 문짝도 뚫지 못합니다. 물론 현실성을 크게 신경 쓰지 않는다면 거슬리지 않겠지만, 관객에 따라 유치하다고 느껴질 수도 있는 장면들이 있습니다. 유쾌한 흑인 듀오 ‘테즈’(루다 크리스)와 ‘로만’(타이리스 깁슨)의 무의미한 말장난이 전작과 비교했을 때 다소 줄어든 점은 좋았습니다. 긴장감을 고조시키는 시리즈 고유의 OST(오리지널 사운드트랙)는 여전히 매력적으로 느껴집니다. 특히 이번 작품에는 방탄소년단(BTS) 지민이 참여한 곡이 삽입되기도 했습니다. 지민은 미국 힙합 아티스트 코닥 블랙과 NLE 초파가 작업한 이 영화의 주제곡 ‘엔젤 파트 1’(Angel Pt.1)에 보컬로 참여했습니다. 이번 작품은 분노의 질주 시리즈의 마지막이 아닙니다. 영화의 엔딩과 1개의 쿠키 영상 모두 속편을 암시합니다. 시리즈를 완결 지을 11번째 작품은 2025년 공개됩니다.

2023-05-19 [15:24]

[경건한 주말] 봄에는 로맨스 영화…‘바람과 함께 사라지다’와 ‘롱디’

“완전히 봄 날씨네.” 요 며칠 외출할 때마다 자주 하는 말입니다. 지난달까지만 해도 꽤 쌀쌀하던 날씨가 5월 들어 확 바뀌었습니다. 따뜻한 봄에는 로맨스 영화가 어울립니다. 마침 국내 OTT(온라인동영상서비스) ‘웨이브’에서 고전 명작인 ‘바람과 함께 사라지다’를 업데이트 했습니다. 극장에는 한국 로맨스 영화가 걸렸습니다. 임재완 감독의 ‘롱디’도 관람했습니다. 각 영화의 매력 포인트를 짚어봤습니다. 220분 대서사극 ‘바람과 함께 사라지다’…‘인생영화’ 꼽힐 만해 빅터 플레밍 감독의 ‘바람과 함께 사라지다’(1939)는 퓰리처상을 수상한 마가렛 미첼의 동명 소설을 원작으로 합니다. 아카데미 시상식에서 작품상, 감독상, 여우주연상, 여우조연상, 촬영상, 각생상 등 총 10개 부문을 휩쓸었습니다. 영화를 보지는 않았어도 제목은 누구나 들어봤을 대표적인 ‘고전 명작’입니다. 90년대생인 기자도 사실 이 영화를 제대로 본 적은 없었습니다. 그런데 최근 ‘웨이브’에 새로 업데이트 된 영화에 이 작품이 포함돼 있습니다. 무려 220분에 달하는 러닝타임에 잠깐 망설였지만, 많은 사람이 ‘인생영화’로 꼽는 이유를 알아보고 싶었습니다. 영화는 미국 남북전쟁 전후인 1860년대를 배경으로 합니다. 주인공인 스칼렛 오하라(비비안 리)는 미국 남부 조지아주 타라 농장주인 오하라 가문의 장녀로, 이웃에 사는 애슐리 윌크스(레슬리 하워드)라는 청년을 좋아합니다. 그러나 스칼렛은 당장 내일 자신의 사촌인 멜라니(올리비아 드 하빌랜드)와 애슐리가 결혼한다는 소식을 접합니다. 아름다운 외모로 마을 청년들의 관심을 한 몸에 받는 스칼렛은 자신의 고백으로 애슐리의 마음을 돌릴 수 있을 것으로 생각했지만, 애슐리는 결혼식 당일에 파혼할 정도로 이기적인 남자가 아니었습니다. 무역으로 부자가 됐지만 세평이 좋지 않은 북부 출신의 이방인 레트 버틀러(클라크 게이블)는 집을 구경하다가 우연히 스칼렛의 고백을 듣게 됩니다. 얼마 못가 남북전쟁이 발발하고, 애슐리를 포함한 마을 청년들은 군에 소집됩니다. 고백을 거절당해 화가 난 스칼렛은 애슐리에게 상처를 주기 위해 사랑하지도 않는 청년 찰스의 청혼을 받아들였지만, 찰스는 전쟁터에서 병으로 죽습니다. 과부가 된 스칼렛은 어머니의 제안에 따라 애틀랜타로 가 멜라니의 가족과 함께 지내게 됩니다. 노예 제도와 귀족 문화가 남아있던 오만한 미국 남부의 군인들은 전쟁에서 연패하고, 북군은 무서운 기세로 영토를 점령합니다. 스칼렛은 레트의 도움으로 죽을 고비를 넘기며 멜라니와 함께 고향 타라에 도착하지만, 진작에 북군이 쓸고 간 이곳은 폐허로 변해있습니다. 황폐해진 타라에서 가장 노릇을 하게 된 스칼렛은 “다시는 굶주리지 않겠다”고 다짐하고, 돈을 버는 것을 최고의 목표로 삼게 됩니다. 한편, 레트는 현실적이고 직설적인 스칼렛이 자신과 닮았다며 흠모합니다. 마음 속에 항상 애슐리를 품고 있는 스칼렛은 번번이 레트를 거절하지만, 구애가 계속되자 결국 결혼합니다. 두 사람은 예쁜 딸을 낳고 행복한 결혼생활을 이어가는 듯하지만, 스칼렛의 마음에 여전히 애슐리가 있다는 사실을 알게 된 레트는 분노에 휩싸입니다. 두 사람 사이에는 몇 차례 돌풍 같은 사건들이 몰아치고, 스칼렛과 레트 모두 감정의 소용돌이에 빠집니다. 영화는 파란만장한 미국 근대사를 다루는 만큼 엄청난 스케일을 자랑합니다. 애틀랜타 대규모 화재 씬은 30년대 영화라는 것이 믿기지 않을 정도로 스펙타클합니다. 눈을 즐겁게 하는 1800년대의 고풍스러운 의상들도 인상적입니다. 영화에서 비비안 리는 44벌, 클라크 게이블은 36벌의 각기 다른 옷을 입고 등장합니다. 무엇보다 시시각각 휘몰아쳐 종잡을 수 없는 서사와 주연배우들의 훌륭한 연기는 왜 이 작품이 ‘고전 명작’으로 꼽히는지 알게 합니다. 구시대적 명분보다 현실을 중시하는 주체적 여성이지만 인생의 모든 것을 뜨겁게 사랑하는 스칼렛은 2023년에 봐도 매력적인 캐릭터입니다. 스칼렛 못지않게 이성적이고 열정적이지만 약한 면모도 있는 레트, 다정하고 친절한 멜라니도 관객의 마음을 앗아가기에 충분한 매력을 가지고 있습니다. “솔직히 그건 내 알 바 아니오”(레트)와 “내일은 내일의 태양이 뜰거야”(스칼렛)은 영화 최고의 명대사로 꼽힙니다. ‘바람과 함께 사라지다’는 현대 들어서는 비판에 직면하기도 했습니다. 인종차별이 만연하던 미국 남부를 낭만적으로 묘사했다는 지적이 최근 미국 사회에서 공감을 얻은 바 있습니다. 지난달 외신에 따르면 출판사 팬맥밀란은 ‘바람과 함께 사라지다’ 최신판 서두에 이 책이 문제적 요소를 포함하고 있다는 경고문을 삽입하고 “우리 역사의 충격적이던 시절, 노예제의 공포를 낭만적으로 표현하고 있다”면서 “용납할 수 없는 관행, 인종차별적이거나 편견에 가득한 묘사가 담겼고, 주제와 캐릭터 표현, 언어, 이미지 등에도 문제가 있다”고 밝히기도 했습니다. 영화는 또 남성이 여성에게 강제로 성적 행위를 하는 것을 사랑으로 그려내는 등 왜곡된 성인식을 심는다는 비판도 받았습니다. 하지만 시대상을 고려해야 한다는 옹호도 일견 설득력이 있습니다. 영화에서 유모 역을 맡은 해티 맥대니얼은 흑인 배우로는 사상 최초로 아카데미 여우조연상을 받기도 했습니다. 영화 주인공 스칼렛 오하라가 진취적인 여성으로 그려졌다는 점도 인식해야 하겠습니다. 스칼렛은 당대의 편견을 깨고 뭇 남성들보다 강한 의지로 살아남고 성장하는 인물입니다. ‘세계영화작품사전’에 따르면 원작 소설가인 마거릿 미첼은 작품의 메시지에 대해 “어떤 어려움이 닥쳐도 그것을 이겨내려는 사람들이 있다. 그리고 그런 사람들이 가진 진취적인 성격이 있다. 그런 성격을 가진 사람들과 가지지 못한 사람들의 이야기를 쓰고 싶었다”고 밝혔습니다. 연애물로 변한 ‘서치’?…새로운 시도 돋보이는 ‘롱디’ 영화 ‘롱디’는 서른을 앞둔 5년차 커플 도하(장동윤)와 태인(박유나)이 장거리 연애를 시작하며 벌어지는 이야기를 다룹니다. 다정하고 밝은 도하는 씩씩하고 시니컬한 매력의 밴드 보컬 태인을 언제나 응원하고 지지합니다. 알콩달콩 즐거운 연애가 4년이나 이어졌지만, 태인이 곡 작업을 하겠다며 거제로 내려가겠다고 선언하면서 두 사람은 ‘롱디’(Long distance: 장거리 연애)를 시작하게 됩니다. 마음이 여린 도하는 이사를 돕던 중 눈물을 보일 정도로 태인과 떨어지기 싫어합니다. 두 사람은 영상 통화와 SNS를 통해 매일 연락하며 마음만은 함께 합니다. 도하는 태인과 직접 만나게 될 5주년 기념일에는 청혼을 하리라 마음먹고 깜짝 이벤트를 준비합니다. 그러나 도하는 대망의 프러포즈를 앞두고 한 파티에 참석했다가 만취해 ‘블랙아웃’ 상태가 돼 버렸고, 두 사람의 사이가 급격히 틀어집니다. 기존 로맨스 영화와 ‘롱디’의 가장 큰 차별점은 연출입니다. SNS 라이브 영상, CCTV, 영상통화 등 모든 장면이 전자기기 화면으로만 구성돼 영화 ‘서치’를 연상시킵니다. 실제로 ‘서치’ 제작진이 영화에 참여하기도 했습니다. 그러나 올해 초 개봉한 ‘서치2’처럼 감각적이고 화려한 연출을 찾아볼 수는 없었습니다. 오히려 화면 연결이 조금 어색하거나 억지스러운 부분이 있습니다. 예를 들어 한 작곡가의 신곡을 소개하는 인터넷 기사에 링크가 걸려 있는데, 링크를 클릭하자 바로 유튜브에서 뮤직비디오가 재생됩니다. 현실에서 이런 기사는 본 적이 없습니다. 사소하다면 사소하지만, 현실적이지 않아 순간적으로 몰입이 깨지는 대목입니다. 필요하지 않은데 굳이 영상통화를 하거나 SNS 라이브를 진행하는 장면들도 아쉽습니다. 도하와 태인의 사이를 갈라놓는 주범 제임스(고건한)가 등장하는 씬들이 어색합니다. 재수 없지만 돈 많은 유명인사인 제임스는 도하의 고객이자 초등학교 동창이기도 합니다. 극중에는 도하와 제임스가 영상통화를 하는 장면들이 많은데, 사실 굳이 얼굴을 보고 얘기할 필요가 없는 상황입니다. 제임스의 실시간 인터넷방송에 달리는 댓글들은 현실감이 떨어집니다. 정신이 나간 사람을 뜻하는 신조어인 ‘도랏맨’을 ‘돌았맨’이라고 쓰는건 처음 봅니다. 극중에는 분위기가 전환되는 지점이 있습니다. 제임스의 기행이 부른 오해로 갑자기 이별의 위기에 처한 도하가 태인이 숨겨온 비밀을 발견하면서부터입니다. 그런데 그 비밀을 알게 되는 과정도 조금은 어설픕니다. ‘서치’에서 온갖 신종 플랫폼서비스와 구글 검색 등을 통해 몰랐던 사실을 알아내지만, ‘롱디’에서는 단순히 하드디스크에 저장돼 있던 파일들을 통해 비밀을 파헤칩니다. 전체적인 스토리는 무난한 편이지만, 마무리가 조금 급한 느낌도 듭니다. 또 로맨스 영화를 이끌어가는 힘은 주연배우들의 연기에서 나오는데, 두 배우 모두 연기가 뛰어났다고 하기는 망설여집니다. 누구나 공감할 법한 오타와 같은 깨알 재미요소와 ‘온택트 롱디’라는 신선한 주제, 외화에서만 볼 수 있었던 스크린라이프 연출 방식 자체는 호평 받을 만 합니다. 태인 역을 맡은 배우 박유나가 직접 부른 오리지널 사운드트랙(OST)들도 아주 좋았습니다.

2023-05-12 [15:58]

[경건한 주말] 비 오는 연휴, 볼 만한 것 찾는다면…‘가오갤3’와 ‘피의 게임2’

어린이날 연휴에 비 소식이 있습니다. 4일 현재 부산지방기상청에 따르면 이날 오후부터 어린이날인 5일, 토요일인 6일 저녁까지 비가 올 것으로 예보됐습니다. 연휴를 맞아 야외활동을 계획한 이들에게는 차질이 빚어지겠습니다. 비 내리는 연휴, 실내에서 즐길 수 있는 영상 콘텐츠 두 편을 소개합니다. “마블이 돌아왔구나”…‘가오갤3’에 팬들 환호하는 이유 대학생이던 2017년, 선배들의 손에 이끌려 극장에서 본 ‘가디언즈 오브 갤럭시2’는 색다른 즐거움을 안겨주는 영화였습니다. 특유의 B급 감성과 유머 코드, 그리고 잔잔한 감동이 어색하지 않게 어우러지는 높은 완성도를 자랑했습니다. 무엇보다 영화에 삽입된 오리지널 사운드 트랙(OST)들이 끝내주게 좋았습니다. 집에 와서는 시리즈 1편을 감상하고 ‘가오갤’의 팬이 됐습니다. 지난 3일 공개된 ‘가오갤3’는 아쉽게도 시리즈를 마무리하는 작품입니다. ‘가모라’(조 샐다나 분)를 잃고 슬픔에 빠져 술로 하루하루를 보내던 ‘스타로드’ 피터 퀼(크리스 프랫)이 위기에 처한 친구 ‘로켓’(브래들리 쿠퍼)을 구하러 나서는 것이 이야기의 핵심입니다. 행성 ‘노웨어’에서 살아가는 가오갤 팀과 주민들은 예고도 없이 들이닥친 아담 워록(윌 폴터)의 습격을 받고 혼비백산합니다. 전투 과정에서 ‘로켓’은 치명적인 부상을 입어 생사의 기로에 서있습니다. 술에 빠져 살던 퀼은 로켓을 구하기 위해 가오갤 팀과 함께 이 위기의 원흉을 찾아 나섭니다. 영화는 단순히 히어로들이 악당을 물리치고 위기에 빠진 은하계를 구한다는 뻔한 스토리로 진행되지 않습니다. 시리즈의 대미를 장식하는 영화의 주인공은 너구리 인간 로켓입니다. 로켓은 ‘89P13’으로 불리던 시절이 있었습니다. 새끼 너구리였던 로켓은 완벽한 생명체로만 이뤄진 사회를 창조하려는 하이 에볼루셔너리(추쿠디 이우지)의 실험 탓에 사이보그가 됐습니다. 역시 실험의 희생양인 라일라를 비롯한 사이보그 동물들은 로켓을 돌봐주고, 서로가 서로를 의지하는 각별한 친구 사이가 됩니다. 이들은 언젠가 완벽한 생물체들이 사는 세상에서 살 수 있다는 꿈으로 하루하루를 버티지만, 우생학 맹신자인 에볼루셔너리에 의해 꿈은 산산조각 납니다. 노웨어 행성을 찾아와 로켓을 공격한 워록도 에볼루셔너리의 지시를 받은 것이었습니다. 영화는 가오갤 팀이 로켓을 구하는 과정 곳곳에 그의 과거를 보여주는 플래시백을 집어넣었습니다. 담백한 연출로 로켓이라는 캐릭터의 서사에 서서히 빠져들 수 있습니다. 본성은 착하고 순진하지만 시니컬하고 화가 많은 로켓의 성격도 이해할 수 있게 됩니다. 로켓을 포함한 가오갤 팀은 어딘가 부족하고 모자라 보입니다. 대장인 퀼부터 이성보다 본능이 앞서는 사고뭉치입니다. ‘반지의 제왕’을 연상시키는 나무 괴물, 항상 분노에 차있는 우주 최강 빌런의 딸, 힘만 센 바보, 감정을 읽고 조종할 줄 알지만 순해빠진 달팽이 외계인까지. 하지만 이 오합지졸들은 서로를 도우며 한 팀이 됐을 때 누구든 상대할 수 있습니다. ‘가오갤3’에서도 언더독인 가오갤 팀은 힘을 모아 절대강자인 에볼루셔너리를 철저히 물리치고 관객에게 쾌감을 선사합니다. 모든 주요 캐릭터의 매력과 능력이 골고루 빛나게끔 비중을 적절하게 조절한 점도 돋보입니다. 불우한 과거를 가진 로켓을 살려내려는 퀼과 동료들의 분투는 예상치 못한 감동을 안깁니다. ‘가오갤’ 시리즈 팬이라면 절규하는 크리스 프랫의 연기에 눈시울이 저절로 붉어지겠습니다. 우정과 가족애를 넘어 소외받는 이 없는 세상이 중요하다는 메시지도 충분히 설득력 있게 전달됩니다. 시리즈 특유의 유머 코드도 잃지 않았습니다. 진지해야 할 대목에서 실소하게 하는 대사들이 히어로들의 매력을 살립니다. 화려한 영상미는 눈을 즐겁게 합니다. ‘앤트맨3’가 그려낸 우주세계는 ‘스타워즈’와 유사했다는 지적을 받았지만, ‘가오갤3’ 속 새로운 행성과 크리처들은 독창성이 있습니다. 가오갤 팀이 한 데 모여 싸우는 액션신은 애니메이션에서나 가능할 법한 역동성을 보여줍니다. 무엇보다도 끝내주는 OST의 향연은 ‘가오갤3’를 꼭 영화관에서 봐야하는 이유입니다. 강렬한 인트로가 인상적인 팝송들은 분위기를 기가 막히게 전환시키는 힘이 있습니다. 라디오헤드의 ‘크립’(Creep) 가사는 마치 로켓이라는 캐릭터를 위해 쓴 것 같습니다. “나도 특별했다면 좋았을텐데” “하지만 난 별종이야” “난 이 세상에 속해있지 않아” 등 쓸쓸한 가사를 들으며 힘없이 걷는 로켓의 모습이 아직도 기억에 남습니다. 클래식 기타로 연주한 어쿠스틱 버전의 애잔한 분위기는 가사와 완벽히 들어맞습니다. 시리즈를 연출한 제임스 건 감독은 지난달 18일 진행된 내한 기자간담회에서 “전편의 노래들이 많은 사랑을 받았기에 이번에도 음악 선정이 가장 큰 고민이었다”면서도 “‘가오갤3’에는 70~80년대 뿐 아니라 90년대 노래까지 다채롭게 담겼다. 역대급 플레이리스트가 될 것”이라고 자신했습니다. 희로애락을 모두 느낄 수 있게 만드는 ‘가오갤3’는 최근 공개된 ‘마블’ 히어로 영화 중 가장 완성도가 뛰어납니다. 누리꾼들 사이에서도 “‘어벤져스: 엔드게임’ 이후 가장 재밌게 본 마블 영화”라는 평이 공감을 얻고 있습니다. 영화의 쿠키 영상은 2개입니다. 12세 관람가지만, 조금은 징그러운 장면도 있습니다. 작정하고 내놓은 서바이벌 예능 ‘피의 게임2’ ‘피의 게임2’는 국내 OTT(온라인 동영상 서비스)인 ‘웨이브’(wavve)가 지난달 28일 공개한 리얼리티 서바이벌 예능 프로그램입니다. 전 농구선수 하승진, 인터넷방송진행자 ‘파이’ 외에도 래퍼, 서바이벌 프로그램 우승 경력자, 일본인 배우, 멘사회원인 모델, 세계 포커대회 1위, 서울대 의대생, 아나운서 등 다양한 배경의 플레이어 11명이 등장합니다. 기자는 사실 편안한 마음으로 볼 수 있는 예능을 선호하기 때문에 평소 이런 유형의 프로그램을 애청하진 않습니다. ‘피의 게임’ 시즌1은 물론이고 유튜브에서 크게 히트를 친 ‘머니게임’도 보지 않았습니다. 하지만 최근 ‘피지컬100’을 꽤 재밌게 보고 서바이벌 예능에 관심이 생겼습니다. 이러한 기자가 보기에 ‘피의 게임2’는 꽤 재밌었습니다. 조금은 섬뜩한 제목에 멈칫하게 될 수 있지만, 현재까지 공개된 1, 2화는 그리 선정적이거나 자극적이지 않습니다. 일부 인터넷 커뮤니티에서도 호평이 이어지고 있습니다. 최대 3억 원의 상금을 내건 ‘피의 게임2’는 “매우 불공평하고 비합리적”인 게임이라고 자처합니다. 거짓, 배신, 음모, 정치 등 어떤 수단을 쓰든 살아남아야 하며, 자체 규칙을 위반하지 않는 한 모든 행동을 허용합니다. 1화는 비밀번호를 입력해야 풀리는 자물쇠에 다리가 포박된 참가자들의 모습과 함께 시작합니다. 비밀번호를 알아낼 수 있는 문제를 풀고 목적지에 도착하는 사람은 생존하지만, 가장 늦게 도착한 참가자는 탈락 후보자가 됩니다. 퍼즐 유형의 게임을 함께 푸는 재미가 있습니다. 고학력자들이 고전하는 가운데 의외의 인물이 먼저 해답을 찾습니다. 이 와중에 편법으로 문제를 해결하는 참가자도 있습니다. 같은 상황에서 서로 다른 행동을 보여주는 데서 오는 재미가 쏠쏠합니다. 출연자 한 명 한 명의 개성과 매력도 뚜렷합니다. 게임은 발리의 대규모 저택에서 벌어집니다. 최하위 플레이어는 탈락후보가 되고, 고유의 데스매치 방식으로 최종 탈락자가 결정됩니다. 참가자들은 서로 유리한 고지를 차지하기 위해 각자의 전략을 세웁니다. 서로를 설득하려는 ‘정치질’이 난무하는 가운데 어느덧 파벌이 형성돼 대립구도가 펼쳐집니다. 상대 집단을 설득하려 나선 참가자가 모순적인 주장을 펼치자 날카로운 지적과 반박이 이어집니다. 다소 격양된 분위기 속에 서로의 주장을 논파하는 ‘두뇌 최강자’들의 싸움에서 나오는 자연스러운 긴장감이 있습니다. 프로그램 제작은 MBC가 맡았지만, 지상파 특유의 시간을 질질 끄는 호흡과 전개는 볼 수 없습니다. 1화 종반부에 이미 한 명의 탈락자가 발생합니다. ‘피의 게임2’는 야생과 저택을 오가는 설정을 통해 게임의 흐름을 종잡을 수 없게 합니다. ‘더 지니어스1’ 우승자인 홍진호의 등장부터 게임의 규모가 확장됩니다. ‘야생 서바이벌’ 요소의 접목으로 소소한 웃음을 자아내는 대목도 있습니다. 또 지난해 12월 웨이브 오리지널 예능 쇼케이스에서 현정완 MBC PD가 밝힌 ‘지하 구조’가 흥미를 더합니다. 3화부터는 격렬한 몸싸움으로 번지는 갈등을 예고해 시청자의 기대를 모으고 있습니다. ‘피의 게임’2는 14부작으로 구성돼 있으며, 매주 금요일 오전 11시 새로운 에피소드가 공개됩니다.

2023-05-04 [15:01]

[경건한 주말] 소소한 웃음 잡은 ‘드림’…양조위의 누아르 ‘무명’

‘극한직업’(2019)으로 ‘최연소 천만 감독’ 타이틀을 따낸 이병헌 감독이 10년이나 준비했다는 영화 ‘드림’이 지난 26일 개봉했습니다. 박서준과 아이유가 주연으로 캐스팅 된 점도 영화 팬들의 이목을 끌고 있습니다. ‘드림’과 같은 날 개봉한 추리 스릴러물 ‘무명’도 출연진에 눈길이 갑니다. 양조위(량차오웨이)와 왕이보가 호흡을 맞춰 중국 현지에선 이미 히트를 쳤습니다. 두 작품을 보기 위해 극장을 찾아갔습니다. 웃음보다 감동 강조한 ‘드림’ ‘드림’은 실화 기반 스포츠영화입니다. 2010년 브라질 리우데자네이루에서 열린 ‘홈리스 월드컵’에 한국 대표팀으로 나선 노숙인들의 활약상을 각색했습니다. ‘홈리스 월드컵’은 노숙인, 시설거주자 등 주거 취약계층이 국가대표로 참여해 풋살 경기를 치르는 국제대회입니다. 영국의 노숙인 자활 지원 잡지사 ‘빅이슈’의 제안으로 2003년 오스트리아에서 처음 개최됐습니다. 한국 대표팀은 2010년에 최초로 참가했습니다. 당시 대회에 처음으로 참가한 나라는 한국을 포함해 10개국이었는데, 이 가운데 한국은 가장 열심히 뛰었다는 평가와 함께 ‘최우수 신인팀’ 상을 받았습니다. 한국의 성적은 65개국 중 43위에 그쳤지만, 부상 때문에 일부 선수가 못 뛰는 악조건 속에서 투혼을 발휘해 깊은 인상을 남겼습니다. 당초 한국 선수들은 대회 참가에 필요한 비용인 3000만 원도 구하지 못해 출전 자체가 불투명했습니다. 축구협회와 사회복지공동모금회 등 기관과 개인 후원자들의 도움이 이들에게 큰 힘이 됐습니다. 영화 ‘드림’은 이병헌 감독이 이러한 스토리에 감명을 받고 오랜 시간 준비해 내놓은 작품입니다. 이 감독은 지난달 30일 영화 제작보고회에서 “기획과 시나리오 쓰는 단계까지 하면 10년이 훨씬 넘는 시간이 걸렸다”고 설명했습니다. 드림의 주인공은 프로 축구선수 출신인 윤홍대(박서준)와 다큐멘터리 감독 이소민(아이유)입니다. 잘생긴 외모를 가졌지만 사회적 물의를 빚은 홍대는 연예계에 발을 들이려 합니다. 홍대를 키우고 싶은 연예기획사는 ‘이미지 변신이 필요하다’며 홈리스 월드컵 선수단 감독을 맡아보라고 합니다. 소민은 홍대와 선수단이 홈리스 월드컵에 출전하는 과정을 카메라에 담아보려는 PD입니다. 두 사람의 공통점은 홈리스 월드컵에 관심이 없다는 겁니다. 이들에게 대회는 입신양명을 위한 수단일 뿐입니다. ‘감성팔이’로 시청률을 잡아보려는 소민은 실력보다는 애틋한 사연이 있는 노숙인을 선수로 뽑자는 황당한 제안을 하는데, 홍대는 별 생각 없이 이에 수긍합니다. 영화는 한국 스포츠 영화에서 숱하게 봐왔던 순서대로 전개됩니다. 오합지졸 아마추어들이 한데 모여 고된 훈련을 수행하고, 어찌저찌 힘겹게 나선 실전에서 위기를 겪지만, 선수들이 합심해 불굴의 투지를 보여주는 식입니다. 서사가 뻔하면 연출로 승부를 봐야 하는데, 여기서도 참신함을 찾기는 어렵습니다. 초반부터 노숙인 선수들의 사연을 하나하나 소개하는데, 그리 가슴에 와닿는 건 없습니다. 감정이입이 쉽지 않아 지루하게 느껴질 수도 있습니다. ‘코믹’ 점수도 많이 아쉽습니다. 일부 헛웃음을 짓게 하는 대목은 있지만 작위적인 ‘억지웃음’을 짜내는 장면들은 눈살을 찌푸리게 합니다. 축구를 처음 하는 노숙인들이 온갖 몸개그를 펼치는 초반 씬은 ‘관객이 만만한가’라는 생각이 들 정도로 유치합니다. 무표정으로 주변을 살펴보니 극장 안의 그 누구도 이 장면에서 웃지 않습니다. 축구를 할 때는 물론이고 평소에도 어리숙하게 그려진 노숙인들의 모습은 약간 불편하기까지 합니다. 사연만 놓고 보면 어쩌다 노숙인이 된 안타까운 사람들인데, 행실을 보면 어딘가 모자라고 바보 같습니다. 그래도 ‘영혼 없는 듀오’ 박서준과 아이유의 능청스러운 연기는 자연스러운 웃음을 유발합니다. 두 사람이 쏟아내는 신박한 대사에서 1600만 관객의 웃음을 자아낸 ‘극한직업’ 감독의 역량이 엿보입니다. 특히 눈이 아닌 입으로만 웃는 아이유의 ‘가짜웃음’ 연기가 일품입니다. 월드컵 출전이라는 꿈을 가지게 된 노숙인 선수단에게 용대와 소민이 서서히 동화되며 열정을 되찾는 과정은 소소한 감동을 안겨주기에 충분합니다. 그러나 영화 후반부에 등장하는 가족 서사는 관객의 눈물샘을 자극하려는 신파로 느껴졌습니다. 극중 ‘나쁜 사람’을 자처하는 연예 기획사 대표는 홍대에게 “지금 너한테 필요한 건 신파라니까”라고 말합니다. 관객 입장에선 불필요한 신파를 집어넣는 감독이 나쁜 사람입니다. 한국 스포츠 영화 단골손님인 동네 건달도 이제는 그만 봤으면 좋겠습니다. 축구를 좋아하는 기자가 영화를 보며 가장 실망했던 점은 경기 장면입니다. 축구를 소재로 만든 영화인데, 축구 경기가 전혀 실감나지 않습니다. 롱테이크로 찍은 생동감 있는 장면은 드물고, 컷들이 뚝뚝 끊깁니다. 슛과 선방이 자연스럽게 이어지는게 아니라 슛하는 컷, 선방하는 컷이 따로 놉니다. 두 컷을 각각 촬영해 이어붙인 장면이라는 티가 나서 경기 장면에 몰입하기 힘듭니다. 최근 개봉한 농구 영화 ‘리바운드’처럼 박진감 있는 경기 장면을 보여주지는 못했습니다. 선수들의 열정을 보여주는 방식도 단조롭습니다. 대회에 첫 출전한 한국 대표팀은 실력도 체력도 부족한 ‘언더독’입니다. 그래도 선수들은 유럽 강팀을 상대로 몸을 사리지 않는 플레이를 펼칩니다. 그런데 그 정도가 지나칩니다. 거친 몸싸움을 통해 ‘꺾이지 않는 마음’을 보여주려 한 것 같은데, 보고 있자니 이게 축구인지 레슬링인지 구분이 가지 않습니다. 옷을 잡아당기고 다리를 걸고 몸을 밀치는 파울성 플레이가 난무하는데 심판은 반칙을 불지 않습니다. 비매너를 ‘열정’으로 포장해버리니 어디서 감동을 받아야 할지 모르겠습니다. 스포츠 영화 단골인 작위적 연출법도 등장합니다. 관객에게 “자~여기서 감동 받으면 됩니다”라고 외치는 듯한 올드한 감동 코드에 당황했습니다. 슬픈 음악을 배경으로 슬로우를 걸고 진지한 표정을 바짝 클로즈업하는 것까지, 전형적인 클리셰입니다. 특히 한국 골키퍼의 처절한 선방쇼는 쓴웃음을 짓게 합니다. 몸이 부서져라 강슛을 막는 골키퍼와 ‘그렇게까지 안 해도 된다’는 동료들…20년 전 영화인 ‘소림축구’(2001)를 오마주한 것이라면 인정입니다. 이 거친 액션들을 소화한 김종수·고창석 등 베테랑 조연 배우들의 연기는 감동적입니다. 경기를 계속 치를수록 클리셰는 활개를 칩니다. 모든 해외 관중들이 한국을 응원하며 “대~한민국”을 외치고 희망찬 음악이 귓가를 때리지만 아쉽게도 심장이 요동치지는 않았습니다. 비싸진 티켓값을 고려하면 ‘드림’은 주변에 강력히 추천할 만한 작품은 아니지만, 친절하고 직관적이라 큰 기대 없이 가볍게 보기에는 나쁘지 않습니다. 이병헌 감독이 영화 개봉 전 SNS에서 말한대로 “부모님과 함께 관람하기”에는 괜찮은 가족 영화일 수도 있겠습니다. 기자의 앞줄에는 어르신 두 분이 앉아계셨는데요, 기자가 억지웃음 또는 신파라고 생각했던 장면에서 어르신들은 좋은 반응을 보였습니다. 웰메이드 누아르 ‘무명’…불친절하지만 눈은 즐겁다 ‘양조위의 누아르 첩보물.’ 지난 26일 국내 개봉한 청얼 감독 작품 ‘무명’의 가장 큰 매력입니다. ‘무명’의 시대적 배경은 중일전쟁입니다. 일본이 진주만을 기습 공격하고 상하이를 점령한 1941년, 상하이에서 결성된 비밀 결사는 일본 조직에 첩보원들을 심어놓습니다. 그러나 적과 아군을 구분할 수 없는 혼란이 이어지고, 이름 없는 스파이들의 암투가 벌어집니다. 영화는 중일전쟁 역사를 알고 보는게 좋습니다. 1937년 일본의 침략으로 시작된 중일전쟁 당시 중국은 격동의 시기를 보내고 있었습니다. 사실상 중국 대륙을 장악했던 장제스의 국민당은 1927년부터 공산당 토벌에 나섰고, 공산당은 격렬히 저항했습니다. 그러나 일본군이 중국 땅을 넘보자 국민당과 공산당은 내전을 멈추고 손을 맞잡습니다. 고육지책으로 연합한 양측은 여전히 갈등을 벌이면서도 각자의 방식대로 항일전쟁을 이어갑니다. 중일전쟁 중 일본은 난징대학살을 비롯해 용서받을 수 없는 만행을 저지르고, 히로시마와 나가사키에 원자폭탄이 떨어진 1945년 패망합니다. 극중 허 주임(양조위)은 일본 측에 침투한 상하이 비밀 조직 요원입니다. ‘스포일링’이 아니라, 공식 포스터에서도 소개하고 있는 설정입니다. 허 주임 밑에서 일하는 예 선생(왕이보)은 어느 편에 섰는지 알 수 없는 미묘한 인물입니다. 누아르 영화 팬들이 중요시하는 것 중 하나는 영상미입니다. 첩보물은 일단 소위 ‘때깔’이 좋아야 보는 맛이 나기 때문입니다. 주연 배우들의 연기력도 빼놓을 수 없습니다. 긴장하고, 의심하고, 고뇌하는 스파이 연기를 완벽히 소화할 수 있는 배우는 흔치 않습니다. 여기에 감독의 역량으로 무겁고 진중하면서도 긴장되는 분위기를 잘 연출한다면 금상첨화입니다. 기자가 최근 본 근대 첩보물 중에선 ‘더 스파이’와 ‘공작’이 이러한 조건을 모두 충족했습니다. ‘무명’ 역시 이 조건들을 갖춘 영화라는 점에서 고평가를 받을 수 있겠습니다. 양조위와 왕이보가 멋드러진 수트를 차려입고 펼치는 호연은 흠잡을 데 없습니다. 냉혹하면서도 따뜻한 스파이 양조위를 감상할 수 있다는 건 이 영화가 시네필에게 소구할 수 있는 강점입니다. 대세배우로 떠오르는 왕이보도 강렬한 감정연기로 제역할은 해냈습니다. 양조위와 왕이보가 맨손으로 혈투를 벌이는 클라이맥스 액션신은 손에 땀을 쥐게 할 정도로 치열하고 실감납니다. 비밀스러운 정보책 ‘미스 천’(저우쉰)과 예 선생의 약혼녀 ‘미스 방’(장정의)은 갈등 구조를 심화시킵니다. 긴장감이 흐르는 서스펜스 연출도 어색하거나 허술하지 않았습니다. 영화는 묵직한 저음역대의 배경음악을 아주 적극적으로 활용합니다. 영화관에서 이 작품을 감상해야 하는 이유이기도 합니다. 서라운드 고출력 스피커에서 내뿜는 무거운 음악이 분위기를 한껏 고조시킵니다. 다만 조금 과한 측면도 있습니다. 몇몇 장면에선 ‘음악을 빼는게 나았겠다’ 싶기도 합니다. 아쉬운 점도 남습니다. ‘무명’은 친절한 영화는 아닙니다. 안 그래도 복잡한 중일전쟁을 배경으로 하는데, 흐름이 뒤죽박죽이라 스토리를 한 번에 이해하기 쉽지 않습니다. 과거와 현재를 넘나드는 플래시백의 과용으로 머리가 복잡합니다. 덕분에 단조롭게 느껴지지는 않고, 나름의 반전 효과를 배가한다는 순기능은 있습니다. 비슷한 느낌의 한국 영화를 찾자면 두 남자의 대결구도를 그린 ‘헌트’(2022)가 있습니다. 두 작품 모두 극중 흐름을 한 번 놓치면 스토리를 이해하기 힘들지만, 재관람하면 충분히 이해할 수 있을 정도의 불친절함을 갖췄습니다. 항일 스파이 영화라는 배경 설정만 놓고 보면 올해 개봉한 ‘유령’과도 유사합니다. ‘무명’의 또 다른 불호 요소는 중국식 ‘국뽕’입니다. 국민당은 배제한 채 공산당의 항일투쟁을 중점적으로 다룬 점은 다소 편향적입니다. 하지만 외국 관객들이 보기에 불편할 정도로 노골적이진 않습니다. 사실 그보다는 “100년 전 일”에 대해 100년째 사과하지 않고 있는 전범국 일본을 겨냥한 권선징악이라는 메시지가 뚜렷합니다.

2023-04-28 [16:19]

[경건한 주말] 외지에서 찾는 가족애…‘라이스보이 슬립스’와 ‘65’

“한국에서 곧 개봉합니다. 극장에 와서 많이 봐주세요.” 영화 ‘라이스보이 슬립스’의 앤서니 심 감독이 지난해 10월 열린 제27회 부산국제영화제(BIFF)에서 기자와 인터뷰를 마무리하며 남긴 말입니다. 심 감독의 말대로 영화는 지난 19일 정식 개봉해 한국 관객들과 만났습니다. 한국계 이민자 이야기를 다룬 영화 ‘라이스보이 슬립스’는 BIFF 당시 ‘제2의 미나리’로 불리며 호평을 받았습니다. 기자도 시사회 이후 심 감독과 배우들의 팬이 됐습니다. 영화를 보기 전 알아두면 좋을 비하인드 스토리들을 소개합니다. 기자가 BIFF를 계기로 응원하게 된 배우가 또 있는데, 바로 애덤 드라이버입니다. 2021년 BIFF에서 상영된 후 곧바로 개봉한 영화 ‘아네트’에서 그가 보여준 이중적인 아빠 ‘헨리’ 연기는 아주 인상적이었습니다. 애덤 드라이버가 주연을 맡은 영화 ‘65’가 지난 20일 개봉해 관람했습니다. ‘제2의 미나리’?…‘라이스보이 슬립스’ 매력은 독자적 ‘라이스보이 슬립스’는 1990년 캐나다로 이주한 한국인 홀어머니 ‘소영’(최승윤 분)과 아들 ‘동현’(에단 황)이 겪는 성장통을 다룹니다. 한국계 캐나다인 감독인 앤서니 심의 자전적인 이야기이기도 합니다. 최근 공개된 영화 예고편에서 가장 흥미를 끄는 대목은 아마 어린 동현(노엘 황)이 엄마가 싸준 김밥을 쓰레기통에 버리는 장면일 겁니다. 캐나다 초등학생들은 자신들에게 생소한 음식인 김밥을 먹는다는 이유로 동현을 ‘라이스보이’라고 부르고 따돌립니다. 동현은 엄마 소영에게 김밥이 아닌 다른 음식을 싸달라고 조심스레 부탁합니다. 소영은 ‘누가 널 놀리면 맞서 싸우라’고 하지만, 동현이 실제로 싸운 대가는 학교로부터의 징계입니다. 인종차별·학교폭력 가해자인 또래 캐나다 학생들은 처벌을 받지 않습니다. 공장에서 일하는 소영도 맞서 싸워야 했습니다. 남성 백인 직원에게 성추행을 당해 공개적으로 항의했습니다. 아들에게 ‘즉시 맞서라’고 한 소영답게 당당하게 대처한 겁니다. 하지만 항의하기 전 잠시 망설이는 소영의 모습에서 당시 사회의 구조적 불평등을 엿볼 수 있습니다. 이민자 가정의 고충을 다룬 이 영화는 ‘제2의 미나리’라고 불렸지만, 심 감독의 자전적 이야기라는 점에서 차별점이 뚜렷합니다. 서울 출생인 심 감독은 8살이던 1990년대 초 부모와 함께 캐나다 밴쿠버로 이주했고, 아버지는 심 감독이 고등학교를 졸업한 뒤에 세상을 떠났습니다. 지난해 BIFF서 만난 심 감독은 아버지를 잃은 아픔을 동현이라는 캐릭터에 투영했다고 설명했습니다. 심 감독은 고교 시절 연극반 활동을 계기로 배우의 길을 걸었습니다. 수십 편의 영화와 드라마에 출연하는 과정에서 ‘장편영화 감독’이 되겠다는 목표가 생겼고, 2019년 ‘도터’를 통해 그 꿈을 이뤘습니다. ‘라이스보이 슬립스’는 심 감독의 두 번째 장편영화입니다. 심 감독은 많은 투자를 받고 ‘라이스보이 슬립스’ 제작에 돌입했지만 비슷한 이야기인 ‘미나리’(2021)의 등장에 당황했습니다. 그는 “시나리오 작업 중 ‘미나리’가 선댄스영화제에서 상을 받았다”며 “잠시 패닉이 왔다. ‘너무 비슷하면 망하는데’ 하고 걱정했다”고 털어놨습니다. 영화를 직접 본 심 감독은 겹치는 부분이 많지 않아 안심했다고 합니다. 사실 ‘라이스보이 슬립스’는 ‘미나리’가 아니라 ‘박하사탕’(2000)의 영향을 많이 받았다는게 심 감독의 설명입니다. 영화에서 소영과 동현은 서로를 의지하며 어찌저찌 잘 지내지만, 새 가족이 되고 싶어하는 소영의 직장 동료 사이먼(앤서니 심)의 개입이 모자 간 불화를 일으킵니다. 동현과 삐걱거리던 소영은 몸까지 아파지자 아들과 함께 고향인 한국으로 여행을 떠납니다. ‘라이스보이 슬립스’는 가족애, 이민자가 당하는 차별, 출신과 현실의 괴리로 겪는 정체성 혼란을 담담하면서도 따뜻하게 그려냈습니다. 소영과 동현이 강원도를 찾은 시퀀스는 16mm 필름 카메라로 담아 정겨운 분위기를 자아냅니다. 따스한 촬영 현장 분위기도 이러한 연출에 한몫 했습니다. 강원도 현장에서 수준급 셰프인 심 감독의 친척들이 배우와 제작진에게 식사를 제공했습니다. 최승윤 배우는 “집밥을 먹으며 촬영하니 확실히 분위기가 달랐다. 촬영할 맛이 나더라”면서 “영화 촬영에도 영향을 미쳤을 것”이라고 말했습니다. 무용가 출신인 최승윤은 이번 작품이 장편영화 데뷔작이라는 것이 믿기지 않을 정도로 노련하고 세심한 연기를 펼쳤습니다. 신인 배우 최승윤이 주연으로 캐스팅 된 과정은 드라마틱했습니다. 심 감독은 오디션을 여러 차례 진행하고도 소영 역에 맞는 배우를 찾지 못했습니다. 작품 연출에 대한 자신감이 떨어지기 시작할 때쯤 우연히 알게 된 한국의 캐스팅 감독이 “괜찮을 것 같은 배우가 딱 한 명 있다. 이 배우는 특별한 게 있다”며 추천한 배우가 최승윤이었습니다. 최승윤이 연기하는 영상을 보자마자 “완벽하다”고 생각한 심 감독은 즉시 만남을 추진했습니다. 그는 “오디션을 봤는데 매번 이 사람(최승윤)과 이 역할(소영)은 딱 맞는다고 생각했다”고 설명했습니다. 최승윤은 ‘연기 비결’을 묻는 말에는 “따로 전문 교육을 받지는 않아 연기 테크닉은 없다”면서도 “심 감독과 함께 연습과 리허설을 반복했다. 또 ‘동현’ 역 배우들과 실제로 시간을 보내며 친밀감을 형성했고, 이들을 아끼는 마음을 연기에 녹여냈다”고 답했습니다. 동현을 연기한 에단 황도 우여곡절 끝에 캐스팅했습니다. 애초에 북미에서 활동하는 어린 한국 배우가 많지 않았습니다. 한인 커뮤니티를 통해 겨우 섭외한 배우가 에단이었는데, 심 감독은 이번엔 사진을 보자마자 “얘가 동현이다”라고 생각했습니다. 실제로 한인 이민자 2세인 에단은 동현이라는 캐릭터에 쉽게 공감할 수 있었습니다. 에단 역시 주연을 맡은 건 이번이 처음이었지만, 심 감독의 트레이닝 덕에 호연을 펼칠 수 있었다고 밝혔습니다. 배우 출신인 심 감독은 소영의 직장 동료인 ‘사이먼’을 연기했습니다. 심 감독은 “원래 내 작품에 배우로 등장하는 걸 좋아하지 않는다. 시나리오 단계에서는 원래 사이먼이 인도 남자였다. 대사도 미리 다 썼다”면서 “그런데 이야기에 잘 맞지 않는 설정인 것 같아 결국 한국 입양아 캐릭터로 바꿔 연기도 하게 됐다”고 말했습니다. 심 감독은 “자라면서 본 영화에 나처럼 생긴 주인공은 별로 없었다. 있어도 쿵푸 영화였다”며 “한인 이민자 1세대의 노력 덕에 우리 세대부터는 영화 감독이라는 꿈을 실현할 수 있게 됐다. 나도 후대를 위해 할 수 있는 최선을 다하고 있다”고 덧붙였습니다. 섬세한 연출과 짜임새 있는 각본, 신인 배우들의 명연기로 완성한 ‘라이스보이 슬립스’는 북미에서 큰 호평을 받았습니다. 지난해 토론토국제영화제에서 심사위원 만장일치로 플랫폼상을 받은데 이어, 지난달 10일에는 토론토영화비평가협회(TFCA)가 선정한 ‘2022 최고의 캐나다 영화’에 올랐습니다. 공룡 SF영화 ‘65’, 킬링타임으론 나쁘지 않지만… 지난 20일 개봉한 영화 ‘65’는 6500만년 전 다른 행성에 살고 있던 ‘외계 인간’ 밀스(애덤 드라이버)가 공룡이 지배하는 지구에 불시착하며 벌어진 이야기를 다룹니다. 비상착륙한 우주선에서 생존한 사람은 조종사인 밀스와 승객 ‘코아’(아리나 그린블랫)뿐입니다. 불시착 과정에서 떨어져나간 탈출선은 산꼭대기에 있습니다. 설상가상으로 곳곳엔 포악한 육식공룡이 득시글거리고, 그 포악한 공룡들을 멸종시킨 소행성이 지구로 다가오고 있습니다. 밀스는 총 한 자루를 쥐고 딸과 비슷한 나이의 소녀 코아와 함께 목숨을 건 탈출을 시도합니다. 줄거리에서 유추할 수 있듯, ‘65’는 전형적인 ‘킬링타임’용 SF 액션 영화입니다. 설정이나 소재 자체는 흥미롭습니다. 특히 공룡 영화는 매니아층이 있어 적당한 완성도를 갖췄다면 호평을 받을 수 있습니다. 세계적 흥행작인 ‘콰이어트 플레이스’ 시리즈의 각본을 쓴 스콧 벡과 브라이언 우즈가 감독을 맡은 점도 기대감을 모은 요소였습니다. 하지만 관객들의 반응을 살펴보니 평가가 그리 좋지 않습니다. ‘스토리가 진부하다’, ‘공룡이 등장하는 씬이 별로 없다’, ‘이렇다 할 임팩트가 없다’ 등 혹평이 꽤 많습니다. 기자도 이러한 비평에 대체로 동의합니다. ‘65’는 공룡 영화인데도 공룡이 그리 많이 등장하지 않습니다. ‘쥬라기공원’처럼 다양한 공룡이 등장할 것을 기대했다면 실망할 수 있습니다. ‘65’에선 ‘트리케라톱스‘처럼 뿔이 난 각룡류나 ‘브라키오사우르스’처럼 목이 긴 용각류 등 초식공룡은 볼 수 없습니다. 그래도 크고 작은 육식공룡이 등장하는 장면들은 나름 긴장감이 있습니다. 예상치 못한 순간에 관객을 깜짝 놀라게 하는 재주가 있습니다. CG로 만든 공룡의 퀄리티도 제법 좋습니다. 기자는 ‘4DX’ 포맷으로 감상했는데, 몰입감을 더하는 효과가 있었습니다. 그러나 연출이 훌륭한 편이라고 할 수는 없겠습니다. 극 중 밀스와 코아는 공룡이나 지형지물 때문에 위기를 겪는데, 이를 극복하는 과정에서 관객에게 순도 높은 긴장감을 선사하지는 못합니다. 공룡의 눈을 피해 바위 뒤에 숨은 채 코아의 입을 틀어막는 밀스, ‘벨로시랩터’처럼 작은 육식동물에게 쫓기는 코아…‘쥬라기공원’ 같은 공룡 영화에 익숙한 관객에겐 기시감이 들 법한 장면들입니다. 애초에 괴수들만 가득한 세상에서 어른이 아이를 필사적으로 보호한다는 설정 자체가 ‘콰이어트 플레이스’ 시리즈와 다를 바 없기도 합니다. 배우들의 연기는 좋았습니다. 영화의 등장인물 두 명은 수준급 연기를 선보입니다. 마초이즘적 매력을 자랑하는 배우 애덤 드라이버가 보여주는 애절한 부성애는 호소력이 짙습니다. ‘코아’를 지키기 위해 온갖 고생을 하는 모습은 안쓰럽기까지 합니다. 코아 역의 아역 배우 아리나 그리블랫의 연기도 자연스럽습니다. 다만 두 주인공을 통해 보여주려는 ‘가족애’라는 메시지는 연출의 한계 탓인지 크게 와닿지 않았습니다.

2023-04-21 [14:56]

[경건한 주말] 스크린에 돌아온 ‘패왕별희’와 ‘레디 플레이어 원’

“〈패왕별희〉가 개봉극장에서 일단 간판을 내렸다가 94년 골든글로브상 시상식에서 외국영화상을 받는 시점에 재상영 돼 설 연휴까지 이동상영(연홍) 되는 해프닝을 연출했다.” 1994년 2월 8일 ＜부산일보＞에 실렸던 ‘설 연휴 극장가’ 기사에서 발췌한 문장입니다. 1993년 개봉한 ‘패왕별희’가 한 차례 막을 내렸지만, 해외유수영화제에서 상을 휩쓸자 곧바로 스크린에 복귀했다는 내용입니다. 패왕별희의 인기는 21세기 들어서도 식지 않고 있습니다. 2020년 5월, 기존보다 분량이 15분 늘어난 ‘패왕별희 디 오리지널’이 극장에서 상영됐습니다. 171분에 달하는 ‘패왕별희 디 오리지널’은 주연배우 장궈룽(장국영·1956~2003)의 사망 20주기를 맞은 올해 4월 1일 재개봉해 관객들의 발걸음이 이어지고 있습니다. 영화팬들이 반길 만한 소식이 또 있습니다. 미국 영화 제작·배급사인 워너브라더스 100주년을 기념해 SF 영화 4편을 모아 상영하는 ‘SF 오디세이’ 특별전을 지난 10일 CGV가 열었습니다. 특별전 첫 주자는 스티븐 스필버그 감독의 가상현실 블록버스터인 ‘레디 플레이어 원’으로, 지난 12일 재개봉했습니다. 극장서 처음 본 ‘패왕별희’…‘MZ세대’에도 통할 명작 “세월이 흘러도 변함없는 명작” “죽기 전에 꼭 봐야 하는 영화다” “매년 영화관에서 볼 수 있게 해달라”…포털사이트에서 ‘패왕별희’를 검색하면 쉽게 볼 수 있는 관람객 감상평입니다. 사실 기자는 ‘패왕별희’가 개봉했을 때쯤 태어났습니다. 지금껏 제목은 숱하게 들어봤지만, 영화를 제대로 감상해본 적은 없었습니다. TV 영화채널에서 잠깐씩 본 ‘패왕별희’는 조금은 괴상한 옛날 영화처럼 보여 흥미가 생기지 않았습니다. 주변 또래들 중에서도 ‘패왕별희’를 봤다는 친구를 찾기는 쉽지 않았습니다. 1993년 개봉한 ‘패왕별희’는 경극을 사랑하는 두 남자의 파란만장한 이야기입니다. 어린 시절 경극학교에서 만나 평생을 함께 할 단짝처럼 보였던 두지(장궈룽 분)와 시투(장펑이 분)가 파국을 향해 치닫게 된 사연을 그렸습니다. 영화는 제46회 칸 국제영화제에서 동양권 영화 최초로 황금종려상을 받았습니다. 장궈룽 20주기를 맞아 지난 1일 재개봉한 ‘패왕별희 디 오리지널’은 기존 극장판 156분에서 총 15분이 늘어난 버전입니다. 두지와 시투의 어린 시절, 성인이 된 두지가 시투를 향한 애정을 드러내는 장면 등 인물의 감정선을 더 세밀하게 묘사한 대목이 늘어났습니다. 모두 중국 당국에 의해 삭제됐던 장면들입니다. 재개봉한 ‘패왕별희 디 오리지널’을 지난 12일 해운대 영화의전당에서 관람했습니다. 영화의전당은 다시 보고 싶은 재개봉영화를 상영하는 ‘씨네리플레이 프로그램’의 일환으로 4월 한달 동안 ‘패왕별희 디 오리지널’을 스크린에 겁니다. 평일 점심시간에 30년 전 작품을 보러올 사람이 몇이나 될까 싶었는데, 적지 않은 관객이 이미 자리를 잡고 있어 놀랐습니다. 영화는 1925년 베이징 경극학교에서 시작합니다. 내성적인 성격의 미소년인 두지는 자신을 묵묵히 도와주는 듬직한 형 시투를 흠모합니다. 두 사람은 혹독한 훈련을 함께 이겨내며 관계가 돈독해지고, 초나라 패왕 항우와 우희의 이별을 그린 ‘패왕별희’ 공연으로 경극배우가 되는데 성공합니다. 중일전쟁이 일어난 1937년 두지와 시투는 가장 유명한 경극배우가 되어 있습니다. 그러나 시투가 홍등가 여인 주샨(공리 분)과 결혼하면서 두 남자의 관계에 금이 가기 시작합니다. 두지는 시투 대신 북경 문화계 거물이자 자신의 후원자인 원대인과 가까워집니다. 중국을 침략한 일본군은 갈등의 기폭제가 됩니다. 두지는 일본군에게 잡혀간 시투를 구하기 위해 군인들 앞에서 공연을 하지만, 시투는 “일본군 앞에서 공연을 하느냐”며 두지를 몰아세우고 주샨과 함께 사라집니다. 시투에게 묘한 연정을 품고 있던 두지는 배신감과 상실감으로 아편에 손을 댑니다. 1945년 일본이 항복하고 국민당이 정권을 잡은 뒤 시련은 더욱 커집니다. 두지는 일본군 앞에서 공연한 매국노로 몰려 재판에 넘겨졌다가 가까스로 풀려납니다. 마오쩌둥의 공산당이 집권한 1949년에는 원대인이 문화계를 타락시킨 반혁명분자로 몰려 처형당합니다. 가장 큰 비극은 1966년 문화대혁명 때 일어납니다. 홍위병에 둘러싸여 인민재판을 받게 된 두 남자는 서로를 공개 비판하며 거의 이성을 잃고, 이 과정에서 시투는 아내 주샨을 향해 돌이킬 수 없는 말을 내뱉습니다. 큰 수모를 겪고도 살아남은 두지와 시투는 문화대혁명이 끝난 뒤 다시 만나 경극을 연습해보지만, 마음 속 깊이 남은 상처를 극복하지 못해 또 다른 비극을 낳습니다. 영화는 이처럼 1924년부터 1977년까지 중국을 휩쓴 소용돌이가 예술과 개인에 미친 영향을 애달프게 그렸습니다. 특히 가혹한 시대에 태어나 정체성과 예술혼을 도륙당한 두지라는 인물을 연기한 장궈룽이 인상적입니다. 혼돈에 빠진 장궈룽의 눈빛 연기는 몰입감을 끌어올립니다. 왜 많은 사람이 아직도 그를 잊지 못하는지 짐작이 갑니다. 주샨을 맡은 공리의 표정 연기도 여운을 남깁니다. 한편으로는 이데올로기에 매몰된 사회가 발현하는 광기에 등골이 서늘합니다. 첸 카이거 감독은 1994년 내한 당시 ‘패왕별희’가 중국본토에서는 퇴폐적이라는 이유로 혹평을 받고 있는데 대해 “영화인 또는 예술인의 사고방식을 보통사람들이 이해 못할 수도 있지만 감독으로서 중국문화를 세계 각국에 알려야겠다는 사명감을 가지고 있다. 이 점을 동포들이 이해할 날이 올 것”이라며 “앞으로도 중국 상황과 현실을 반영하는 영화를 중국에서 제작하고 싶다”고 말했습니다. 그러나 30여 년이 지난 뒤에도 ‘오리지널’ 버전을 정작 중국에선 볼 수 없다는 사실은 ‘패왕별희’ 못지않게 비극적이고 섬뜩합니다. 4DX 3D로 다시 만난 ‘레디 플레이어 원’ ‘레디 플레이어 원’은 2018년 개봉한 스티븐 스필버그 감독의 가상현실 블록버스터 영화입니다. 5년 만인 올해 4월 12일 재개봉한 이유는 ‘워너브라더스’ 100주년을 맞아 CGV가 연 ‘SF오디세이’ 특별전 때문입니다. 특별전은 첫 주자인 ‘레디 플레이어 원’에 이어 크리스토퍼 놀런 감독의 ‘인셉션’, 리들리 스콧 감독의 ‘블레이드 러너: 더 파이널 컷’이 차례로 스크린에 복귀하고, SF 걸작으로 꼽히는 ‘2001 스페이스 오디세이’로 마무리됩니다. ‘레디 플레이어 원’은 식량난과 경제위기로 전 세계가 현실도피에 빠진 2045년을 배경으로 합니다. 대부분의 사람들은 무엇이든 가능한 가상현실 게임 세상 ‘오아시스’에 접속하는 것이 인생의 낙입니다. 주인공인 10대 남학생 웨이드 와츠(타이 쉐리던 분)도 오아시스에 열광하는 팬입니다. 그러던 어느 날 오아시스의 창시자인 제임스 할리데이(마크 라이런스 분)는 오아시스에 숨겨둔 3개의 미션을 통과하는 사람에게 게임 소유권과 유산을 상속하겠다는 유언을 남기고 세상을 떠납니다. 미션을 깰 힌트는 할리데이가 사랑했던 1980년대 대중문화에서 찾을 수 있습니다. 와츠는 생전 할리데이의 모습에서 파악한 힌트로 첫 번째 미션을 통과하지만, 살인도 마다않는 초거대기업 ‘IOI’의 위협에 맞닥뜨립니다. 영화는 개봉 당시 200만 명이 넘는 관객을 불러 모았고, 기자도 그중 하나였습니다. 이번 재개봉 작은 ‘4DX’에 3D까지 더한 포맷이라 더욱 생생한 체험이 가능합니다. 기자는 카체이싱 씬이 등장하는 영화는 가능하면 꼭 4DX 포맷으로 관람합니다. 재개봉한 ‘레디 플레이어 원’ 역시 스피드를 가감 없이 느낄 수 있는 카체이싱 장면에서 4DX 3D 포맷의 묘미를 느낄 수 있었습니다. 첫 번째 열쇠를 얻기 위해 아바타들이 펼치는 경주 장면에 맞춰 의자가 마구 들썩거리니 스릴이 넘칩니다. ‘킹콩’과 티라노 사우르스가 나타나 자동차를 박살내는 장면은 5년이 지난 뒤 다시 봐도 압권입니다. 다만 극의 초반인 카체이싱 장면에 4DX 효과가 집중된 탓에, 이후부터 느껴지는 4DX 효과는 상대적으로 밋밋한 편입니다. 2000억 원에 달하는 제작비의 80%를 판권 대여에 쏟아부은 만큼 추억의 캐릭터를 보는 재미도 쏠쏠합니다. 건담, 아이언 자이언트부터 배트맨, 트레이서까지…1980~2010년대 문화계를 이끈 캐릭터가 총출동하는 영화는 아직도 ‘레디 플레이어 원’이 유일합니다. ‘Bee Gees’의 ‘Stayin’ Alive’ 같은 추억의 팝송이 끼어드는 타이밍도 절묘합니다. 영상미는 최신 개봉작들과 비교해도 전혀 밀리지 않습니다. 3D 안경을 통해 보니 보는 즐거움이 배가 됩니다. 영화를 보고 나면 실제로 이런 세상이 올 수도 있겠다는 생각이 듭니다. 영화와 동명의 원작 소설인 ‘레디 플레이어 원’의 작가 어니스트 클라인은 2018년 언론 인터뷰에서 끔찍한 현실과 완벽한 가상현실이 도래할 가능성에 대해 “아쉽지만 정말로 일어날 것”이라며 “우리는 내일이 없는 것처럼 화석 연료를 사용하고 기후 변화를 무시해왔다. 우리가 살고 있는 곳, 앞으로 살아갈 곳을 계속해서 파괴하고 있다. 이러한 변화 속에 많은 사람이 우리가 원하는, 꿈꾸는 현실을 만들어낸 인터넷 속 가상 세계로 도피하게 될 것이라 생각한다”고 말했습니다. 안타깝게도 클라인의 비관적이던 인터뷰는 5년이 지난 뒤에도 틀리지 않았습니다. 인류는 기후 변화와 환경 파괴라는 문제를 전혀 해결하지 못하고 있습니다. 급속도로 발전하는 메타버스와 인공지능(AI)에 두려움을 느끼는 사람들도 적지 않습니다. 클라인이 했던 또 다른 희망 섞인 말도 맞아 떨어지기를 바랄 뿐입니다. “진정한 행복을 찾을 수 있는 곳은 현실뿐이다. 현실이야말로 우리가 살고 있는 실제이기 때문이다.”

2023-04-14 [16:27]

[경건한 주말] ‘슬램덩크’ 흥행가도, ‘리바운드’-‘에어’에 약일까 독일까

이렇게 오래갈 줄은 몰랐습니다. 올해 초 개봉한 ‘더 퍼스트 슬램덩크’(슬램덩크)의 인기 얘기입니다. 개봉한 지 석 달이 넘은 이달 6일까지 440만 명이 넘는 관객을 모았습니다. 원작 만화인 ‘슬램덩크’의 열혈 팬층인 3040세대의 ‘n차 관람’에 더해, 입소문을 듣고 극장에 모여든 20대 관객이 흥행의 원동력이 되고 있습니다. ‘슬램덩크’는 지난 5일 아이맥스(IMAX) 포맷까지 개봉해 관객몰이에 박차를 가했습니다. 이날 서면 CGV는 아이맥스 관람객 전용 포스터와 스탬프 등 굿즈를 받으려는 MZ세대 관객들로 인산인해를 이뤘습니다. 마침 같은 날 개봉한 ‘리바운드’와 ‘에어’ 역시 농구를 소재로 한 영화입니다. 언뜻 보기엔 슬램덩크의 장기 흥행이 두 영화의 성적에 도움이 될 것처럼 보이지만, 마냥 그렇지는 않을 것으로 보입니다. 만화 같은 실화 영화 ‘리바운드’ 5일 개봉한 ‘리바운드’는 2012년 전국고교 농구대회에서 겨우 6명의 선수로 기적 같은 승부를 펼친 부산중앙고 농구부 이야기를 다룹니다. 장항준 감독이 ‘기억의 밤’(2017) 이후 6년 만에 내놓은 신작입니다. 약체로 평가받던 고교 농구팀이 의기투합해 전국대회에서 맹활약한다는 스토리가 ‘슬램덩크’와 많이 닮았습니다. 사실 부산중앙고는 기자의 모교입니다. 게다가 2012년 당시 재학 중이었습니다. 하지만 정작 농구부 친구들이 신화를 썼다는 소식에 큰 관심을 가지지는 못했습니다. 고3 수험생이기도 했고, 농구부와 접점도 없었기 때문입니다. 그래도 같은 학교 친구들이 좋은 활약을 펼쳤다고 하니 한동안 들뜬 분위기가 이어졌던 것으로 기억합니다. 중앙고 졸업생인 기자도 ‘리바운드’를 통해 농구부가 만든 각본 없는 드라마를 자세히 알게 됐습니다. 부산중앙고는 ‘농구 명문’으로 알려져 있었지만, 2012년에는 농구부 선수가 없어 존폐 위기에 놓인 상태였습니다. 새롭게 코치로 부임한 중앙고 졸업생 ‘강양현’(안재홍 분)은 농구선수 출신이자 공익근무요원으로, 코치 경험은 전무했습니다. 양현은 농구부 재건을 위해 부단히 노력하지만, 진작부터 농구계에 마수를 뻗친 ‘청년인재 수도권 유출’ 문제에 가로막힙니다. 양현이 영입을 시도한 유망한 선수들은 수도권 농구 명문고로 떠나버리고, 힘겹게 모은 선수들은 오합지졸입니다. 그나마 실력이 좋은 가드 천기범(이신영 분)과 스몰 포워드 배규혁(정진운 분)은 중학생 시절 불화로 아직도 사이가 나쁜 앙숙입니다. 결국 양현이 이끄는 농구부는 첫 전국 대회에서 ‘최강’ 용산고를 상대로 실력에서도 매너에서도 완패합니다. 몰수패와 6개월 출전 정지 징계라는 최악의 결과를 받아든 중앙고 농구부는 그대로 와해될 것처럼 보입니다. 그러나 양현은 이내 마음을 고쳐먹고 팀을 재정비합니다. 선수는 겨우 6명이지만, 전국 대회에서 괄목할 만한 성적을 거두면서 센세이션을 일으킵니다. 장항준 감독과 배우들은 실제 인물들을 스크린에 옮기기 위해 철저한 고증을 거쳤습니다. 안재홍은 강양현 코치의 모습을 재현하기 위해 복장이나 스타일을 그대로 따라 했고, 체중도 10kg 늘렸습니다. 부산 출신이라 사투리 연기는 문제가 없었지만 강 코치의 말투를 따라하기 위해 연습을 거듭했습니다. 농구부 선수들을 연기한 배우 6명은 두 달 동안 합숙하면서 농구 훈련에 임했다고 합니다. 맹훈련은 좋은 결실을 맺었습니다. ‘리바운드’에서 구현한 경기 장면들은 꽤 생동감 넘칩니다. 다양한 앵글에서 잡은 컷들과 롱테이크 기법으로 박진감을 더했습니다. 촬영에 많은 공을 들인 티가 납니다. 6명에 불과한 선수단이 체력부담과 부상이라는 위기를 극복하는 과정도 흥미롭게 풀어냈습니다. 강 코치의 변칙 전술과 선수들의 투지로 강팀들을 꺾어나가고 결국 결승에서 ‘최강’ 용산고를 만나는 이야기는 북산고와 산왕공고의 대결을 그린 ‘슬램덩크’를 보는 듯합니다. 영화는 이 만화 같은 실화를 바탕으로 하면서도 전형적인 스포츠 영화 공식을 답습합니다. 약체로 평가받던 주인공이 좌절과 불화, 위기를 극복하고 결국 기적 같은 결과를 낳는 식입니다. 이런 스포츠 영화에서 가장 중요한 것은 연출과 각색입니다. 관객 대다수는 이미 주인공인 중앙고 농구부가 선전을 펼쳤다는 사실은 알고 있습니다. 이 스토리를 어떻게 극적으로 풀어나가느냐, 또 얼마나 흥미진진하게 보여주느냐가 완성도를 좌우합니다. 개봉 전후로 국내 평론가들과 관객들의 평가는 대체로 나쁘지 않은 가운데, 기자는 ‘리바운드’가 아쉬운 대목이 많은 영화라고 조심스럽게 평가해 봅니다. 기자는 ‘슬램덩크’ 원작 만화를 전혀 보지 않은 채 올해 1월 ‘더 퍼스트 슬램덩크’를 관람했습니다. 극장판 슬램덩크의 강점은 뚜렷했습니다. 우선 각 캐릭터의 매력이 확실했습니다. 우월한 피지컬과 리더십을 갖춘 채치수, 타고난 재능과 정신력으로 무장한 강백호 등 선수 하나하나의 개성이 뚜렷했습니다. 무엇보다 송태섭이라는 확실한 주인공을 중심으로 서사가 흘러가 자연스럽게 감정선을 따라갈 수 있었습니다. 완급 조절도 훌륭했습니다. 서사를 쌓아올리다가 클라이맥스인 마지막 경기에서 극적 효과를 쏟아 붓는 연출로 감동을 극대화했습니다. 카타르시스를 정교하게 세공해낸 수준이었습니다. 그러나 ‘리바운드’에서는 이러한 흥행요소들을 찾기 어려웠습니다. 일단 캐릭터의 매력이 그리 와닿지 않습니다. 주연급 선수인 천기범과 배규혁의 ‘브로맨스’는 몰입하기 어렵습니다. 브로맨스는 비중이 애매하면 오히려 영화의 흐름에 방해가 될 수 있습니다. 영화 ‘교섭’에서 그려진 황정민과 현빈의 어정쩡한 브로맨스가 그랬습니다. 서로 삐걱대던 두 사람이 하나의 목표를 향해 함께 달려가면서 우정을 쌓는다는 기본 설정은 나쁘지 않지만, 갈등을 겪는 이유와 화합하는 과정을 다소 빈약하게 묘사했습니다. ‘리바운드’의 천기범과 배규혁도 크게 다르지 않았습니다. 다만 강양현 코치를 연기한 안재홍의 호연은 인상적입니다. 능청스러우면서도 패기 있는 입체적 캐릭터를 전혀 어색하지 않게 연기했습니다. 극의 재미와 감동은 대부분 안재홍의 대사와 열연을 통해 전달된다고 해도 과언이 아닙니다. 연출도 아쉬운 편입니다. 좋게 말하면 공식을 잘 따른 영화적 연출이고, 직설하자면 작위적이고 뻔한 연출입니다. 극적인 순간에 거는 슬로우와 클로즈업된 표정, 흥분한 어조로 상황을 설명하는 캐스터…전혀 새로울 것 없는 연출법이었습니다. 한국 스포츠 영화에서 코미디는 빼놓을 수 없죠. ‘리바운드’도 곳곳에 웃음 포인트를 심어뒀는데, 취향에 따라 호오가 강하게 갈리겠습니다. 기자는 개인적으로 선호하지 않는 개그 코드였습니다. 자연스럽게 웃음을 자아내기 보다는 ‘콩트’로 웃기는 방법을 택했는데, 대부분 예측이 가능한 수준입니다. 예컨대, 슛을 하는 장면에서 잔뜩 기대되는 음악을 깔아놓는데 실제 슈팅은 골대 근처에도 가지 못하는 겁니다. ‘한국 영화 좀 봤다’ 하는 사람은 웅장한 음악이 나오고 슬로우를 거는 순간부터 ‘아, 슛이 턱도 없겠구나’ 예상할 수 있습니다. 천기범을 둘러싼 논란도 흥행에 걸림돌이 될 수 있습니다. 천기범은 영화 제작이 한창이던 2022년 1월 음주운전 적발로 한국 프로리그에서 은퇴했고, 이후 일본에서 선수생활을 이어가고 있습니다. 이에 대해 장 감독은 연예매체 ‘마이데일리’와의 인터뷰에서 “준비하던 스태프들 모두 ‘멘붕’에 빠졌다”면서도 “애초에 ‘리바운드’ 출발 자체가 누구 한 명이 주인공이 아니다. 한때 농구 선수였으나 포기한 스물다섯 살 청년(강양현 코치)과 아무도 주목하지 않은 소외된 청년들이 함께 여행을 가는 이야기”라고 강조했습니다. 천기범은 지난해 6월 일본행 배경에 대해 “타지에서 혼자라도 농구만은 계속하고 싶다는 게 유일한 바람”이라며 “죄책감과 후회, 부끄러움으로 마음이 무겁고 두렵기도 하지만 다른 길이 보이지 않아 선택하게 됐다. 잘못의 무게를 잊지 않고 성실히 살아가겠다”고 공개 사과한 바 있습니다. 아쉬운 점도 있지만, ‘리바운드’에 녹아있는 장 감독의 따뜻한 시선은 관객들의 호평을 이끌어내는 핵심 요인입니다. 장 감독 스스로 명대사로 꼽은 “농구는 멈춰도 인생은 멈추지 않는다”는 관객에게 작은 위안이 됩니다. ‘에어 조던’ 탄생 비화 담담하게 그린 ‘에어’ ‘리바운드’와 같은 날 개봉한 ‘에어’ 역시 실화에 기반한 농구 관련 영화입니다. 1980년대 중반 농구화 시장 점유율 꼴찌였던 나이키가 NBA 신인이었던 마이클 조던에게 과감히 ‘베팅’해 업계 1위로 오른 신화를 그렸습니다. 할리우드 스타 밴 애플렉이 연출했고 ‘절친’ 맷 데이먼이 주연을 맡았습니다. 벤 애플렉은 나이키 대표, 맷 데이먼은 선수 스카우터를 맡았습니다. 나이키는 세계 최고의 스포츠 브랜드로 평가받지만, 시작부터 그랬던 건 아닙니다. 1980년대 농구화 시장 서열은 컨버스가 1위, 아디다스가 2위였고 나이키는 3위에 불과했습니다. 그러나 나이키가 마이클 조던과 콜라보해 출시한 ‘에어 조던’이 선풍적인 인기를 끌었고, 이는 나이키가 글로벌 스포츠 브랜드로 성장하는 발판이 됐습니다. 영화 ‘에어’는 나이키가 조던을 설득해 신발을 만든 과정을 보여줍니다. ‘에어 조던’ 신화는 나이키 농구화 부서에서 선수 스카우터로 일한 소니 바카로(맷 데이먼 분)가 없었다면 탄생하지 못했을 겁니다. 소니는 1984년 당시 대학 농구에서 주목받아 미국프로농구(NBA) 데뷔를 앞두고 있던 신인 선수 마이클 조던에게서 무한한 가능성을 발견합니다. 소니는 조던이 농구계 전설로 성장할 것을 확신하고 회사에 과감한 투자를 요청합니다. 그러나 당시 나이키는 인지도가 낮고 예산도 부족한 회사였습니다. 좋은 선수들은 모두 컨버스, 아디다스와 계약하길 원하니 애초에 중급 선수들만 노려야 하는 상황이었습니다. 그래도 소니는 조던을 위해 회사의 모든 걸 걸어야 한다고 주장합니다. 가용 예산을 전부 조던이라는 선수 한 명에 ‘올인’해야 한다며 나이키 창립자 필립 나이트(벤 애플렉 분)를 끈질기게 설득합니다. 조던이 최고의 선수가 될 거라는데 20년 경력을 건다고 호언장담하는 소니에게 결국 필은 두 손을 들었고, 예산 지원을 약속합니다. 문제는 조던입니다. 마이클 조던은 아디다스의 광팬이고, 에이전트는 나이키와 미팅조차 잡으려 하지 않습니다. 그러나 소니는 포기하지 않고 조던의 어머니를 만나기 위해 노스캐롤라이나로 향합니다. 에이전트를 거치지 않고 선수의 가족을 만나는 무례를 범한 이상, 소니는 이 계약을 반드시 성사시켜야 합니다. 그렇지 못하면 소니는 업계를 떠나야 하는 처지입니다. 영화는 전체적으로 과한 연출이나 신파를 배제한 채 ‘에어 조던’의 탄생과정을 담담하게 그려냈습니다. 흡인력은 소니를 비롯한 나이키 구성원들의 열정에서 나옵니다. 마케팅 임원인 롭(제이슨 베이트맨 분)과 농구화 부서 책임자 하워드(크리스 터커), 디자이너인 피터(매슈 마허)가 한 팀이 되어 각자 제역할을 해내는 과정이 흥미진진합니다. 또 마이클 조던이 자신의 어머니 델로리스 조던 역으로 직접 추천한 배우 비올라 데이비스의 카리스마 넘치는 연기도 인상적입니다. ‘굿 윌 헌팅’(1997)과 ‘라스트 듀얼: 최후의 결투’(2021)에 이어 세 번째로 협업한 벤 애플렉과 맷 데이먼의 노련한 연기 호흡은 재미 보증 수표입니다. 이사회의 반대가 뻔한데도 소니를 믿고 과감한 결단을 내리는 창립자 필립의 인간적인 면모는 잔잔한 감동을 줍니다. 어렵게 성사된 조던과의 미팅에서 소니가 진심을 담아 쏟아내는 연설은 가히 명장면입니다. 나이키 슬로건인 ‘Just do it!’의 유래나 ‘에어 조던’ 로고 탄생기, 나이키라는 사명과 스우시 로고의 탄생 비화를 알게 되는 재미도 쏠쏠합니다. 다만 힘을 빼고 만든 잔잔한 영화인 만큼, ‘인생 영화’로 꼽을 정도로 큰 감동을 선사하기에는 부족합니다. ‘머니 볼’처럼 길이 회자될 스포츠 영화로 남을지는 의문입니다. 마이클 조던 영화지만 조던의 얼굴이 나오지 않는 점도 아쉽습니다. 극 중 조던의 얼굴은 자료화면을 통해서만 노출되고, 간혹 조던이 등장하는 장면에서는 뒷모습이나 목소리만 나옵니다. 이에 대해 벤 애플렉은 “마이클 조던은 관객들이 상상하는 이미지 그대로 남겨두고 싶었다”고 설명했습니다. 경건한 주말 뉴스레터 구독하기 ☞https://www.busan.com/newsletter/detailGroup/newsletter2/

2023-04-06 [16:18]

[경건한 주말] 막 올린 ‘오페라의 유령’, 프리뷰·초연 봤더니

요즘 부산 일대를 돌아다니면 ‘오페라의 유령’(제작 에스앤코) 뮤지컬 홍보 배너를 쉽게 볼 수 있습니다. “한국어 공연 부산 초연”, “13년 만의 한국어 공연!” 등 문구가 눈길을 끕니다. 뮤지컬은 잘 모르지만 ‘이건 봐야할 것 같다’는 생각이 듭니다. 고민 끝에 28일 프리뷰 공연과 30일 초연을 예매하는데 성공했습니다. 다른 좌석에서 다른 배우를 만나본 후기를 공유합니다. 누구나 들어봤을 유명 뮤지컬 ‘오페라의 유령’은 프랑스 작가 가스통 르루가 1910년 발표한 소설을 원작으로 합니다. 흉측한 얼굴을 마스크로 가린 채 오페라 하우스 지하에 숨어 지내는 비운의 천재 음악가 ‘오페라의 유령’과 그가 사랑하는 프리마돈나 크리스틴, 그리고 크리스틴의 첫사랑인 귀족 청년 라울의 러브 스토리입니다. ‘오페라의 유령’은 영국 작곡가 앤드루 로이드 웨버가 1986년 뮤지컬로 탄생시킨 뒤 브로드웨이에서 34년 넘게 공연되는 등 엄청난 히트를 쳤습니다. ‘미스 사이공’, ‘레미제라블’, ‘캣츠’와 함께 세계 4대 뮤지컬로 불리기도 합니다. 한국에서 ‘오페라의 유령’이 공연된 것은 이번을 포함해 총 다섯 번입니다, 한국어 공연으로 한정하면 2001년 초연과 2009년 재연 이후 3번째입니다. 특히 부산에서 한국어 공연이 성사된 것은 처음입니다. 화려한 캐스팅도 이번 공연의 화젯거리입니다. 뮤지컬 흥행 보증수표인 조승우가 ‘오페라의 유령’에 캐스팅 된 것이 단연 눈에 띄지만, 인기 뮤지컬 배우 전동석, 최재림과 성악가 출신 김주택의 합류에 흥분한 팬들도 많습니다. ‘크리스틴’은 성악가 손지수와 팝페라 가수 송은혜가 맡았습니다. ‘라울’ 역에는 송원근과 황건하가 발탁됐습니다. 베테랑 배우 윤영석(무슈 앙드레), 이상준(무슈 피르맹), 김아선(마담 지리), 클래식 스타 이지영, 한보라(칼롯타), 박회림(피앙지), 조하린(멕 지리)도 출연합니다. 기자는 김주택, 송은혜, 송원근이 나선 28일 프리뷰와 조승우, 손지수, 황건하가 출연한 30일 초연을 각각 예매했습니다. 결과부터 말하자면 ‘대만족’입니다. 화려한 무대에 실력파 배우들…완벽에 가까운 명품공연 28일 프리뷰 공연은 2층 2열 정중앙 자리에서 관람했습니다. 무대와 거리가 있어 배우들의 연기를 세세히 관찰할 수 없는 점은 아쉬웠지만, 2층 자리도 나름의 장점이 충분했습니다. 공연 시작부터 끝까지 가장 인상적이었던 것은 화려하고 웅장한 무대장치였습니다. 객석으로 떨어지는 1톤 샹들리에와 7층 높이의 파리 오페라하우스 세트 등을 한눈에 볼 수 있어 눈이 즐거웠습니다. 형형색색의 조명과 의상은 황홀감까지 선사합니다. ‘오페라의 유령’ 대표 넘버 중 하나인 ‘가면무도회’(Masquerade)에서 화려함은 절정에 이릅니다. 특수효과들은 몰입감을 배가시킵니다. 오페라의 유령이 살고 있는 지하 호수를 나룻배로 건너는 장면에서 동원된 드라이아이스 연기는 몽환적인 분위기를 자아냅니다. 말 그대로 불꽃이 튀는 대목에선 긴장감이 감돌았습니다. 초호화 무대장치만큼 훌륭했던 것은 배우들의 호연과 뛰어난 가창력입니다. 오페라의 유령 속 넘버들은 워낙 유명한데다 뛰어난 싱어들이 불렀던 탓에 원곡과 비교하며 들을 수밖에 없습니다. 걱정 반 기대 반으로 귀 기울인 김주택과 송은혜의 무대는 감히 ‘월드클래스’ 수준이었습니다. 바리톤 김주택은 유럽에서 오페라 가수로 활약한 바 있습니다. JTBC 성악 예능 ‘팬텀싱어’ 등 방송과 공연을 통해 인지도를 높였습니다. 뮤지컬을 소화한 건 이번이 처음인데, 데뷔 무대라는 게 믿겨지지 않을 정도로 섬세하면서도 파워풀한 연기를 펼쳤습니다. ‘밤의 노래’(The Music of the Night)를 부를 때는 풍부한 성량으로 관객을 압도합니다. 또 악당 같은 면모를 보이다가도 크리스틴을 향한 사랑으로 고뇌하는 오페라의 유령을 부족함 없이 연기했습니다. 팝페라 가수인 송은혜도 뮤지컬 팬들에게 익숙한 스타는 아니지만, 크리스틴 역을 완벽히 소화했습니다. 가장 기본인 가사 전달력이 좋았고, 유튜브와 예능 프로그램 등에서 선보였던 가창력을 그대로 뽐냈습니다. 클라이맥스에서 연이어 고음을 내지르는 ‘오페라의 유령’(The Phantom of the Opera)을 부르는 대목에선 온 몸에 전율이 흐르는 것을 경험했습니다. ‘생각해줘요’(Think of Me), ‘바람은 그것뿐’(All I ask of You)에서도 정교한 완급 조절과 우아한 음색을 뽐냈습니다. 상투적 표현이지만 “귀가 호강했다”는 말이 딱 맞겠습니다. 이밖에도 칼롯타를 연기한 이지영은 탄탄한 고음이 돋보이고, 라울 역을 맡은 송원근의 안정적인 연기는 몰입을 도왔습니다. 드림씨어터의 고품질 음향시설은 배우들의 목소리를 생생하게 전달하고 현장감을 돋웁니다. 공연 초반엔 ‘옥에 티’도 있었습니다. 무대 왼쪽의 거대한 기둥에 걸친 기다란 천막이 조형물에 걸리는 바람에 몇 차례나 시도하고도 걷어내지 못하는 실수가 있었습니다. 관객을 압도하는 핵심 장면이었는데 배경으로 천막이 펄럭거리니 집중력이 분산됐습니다. 그래도 전체적인 공연의 만족도는 정말 높았습니다. 공연이 끝나자 1층 관객들은 기립 박수를 보내 장관을 이뤘고, 위층 관객들도 박수 세례를 보냈습니다. 30일 막 올린 초연…“조승우가 조승우했다” 가격이 소폭 인하된 ‘프리뷰’ 공연은 지난 29일까지였고, 공식 초연은 30일에 열렸습니다. 초연 캐스팅은 조승우(오페라의 유령), 손지수(크리스틴), 황건하(라울) 등이었습니다. 1층 15열, 무대 기준으로 조금 왼쪽에서 관람했습니다. 28일 프리뷰 공연에서 벌어졌던 실수는 해결책을 찾았습니다. 이날도 공연 초반 왼쪽 기둥의 천막이 조형물에 걸려 한 번에 걷어내지 못했지만 관객들이 방해를 받지 않도록 유연하게 조처했습니다. 이날은 조승우의 연기가 독보적이었습니다. 뮤지컬 경험이 풍부한 베테랑답게 노련하면서도 열정적인 연기를 펼쳤습니다. 목 컨디션이 100%는 아닌 것 같았지만, 폭넓은 음역대와 호소력 짙은 창법, 시원시원한 발성은 감동을 안기기에 충분했습니다. 손지수는 엘리트 성악가답게 쭉 뻗어나가는 고음을 마음껏 자랑했습니다. 이틀 만에 재관람했는데도 ‘The Phantom of the Opera’ 클라이맥스에서 또 다시 소름이 돋았습니다. 뮤지컬에 어울리는 창법을 구사하기 위해 적잖은 노력을 기울였을 것으로 보입니다. 송은혜와 손지수 두 배우 모두 크리스틴 역으로 흠잡을 데가 없다는 데에는 이견이 없을 것 같습니다. 라울 역은 송원근과 황건하가 색다른 매력을 펼쳐 호오가 갈릴 수도 있겠다는 생각이 듭니다. 송원근이 대체로 무난하고 안정적인 연기를 펼쳤다고 한다면, 황건하의 연기는 좀 더 격정적이고 박력 있는 편입니다. 황건하는 ‘팬텀싱어’를 통해 갈고 닦은 노래 실력이 깊은 인상을 남겼습니다. 조승우, 손지수와 함께하는 트리오 무대에서 전혀 밀리지 않는 성량으로 탄탄한 내공을 증명했습니다. 카리스마 넘치는 ‘마담 지리’를 연기한 김아선과 ‘무슈 앙드레’ 윤영석, ‘무슈 피르맹’ 이상준, ‘멕 지리’ 조하린, ‘피앙지’ 박희림 등 다른 조연들 역시 익살스러운 연기로 제 몫을 톡톡히 해냅니다. ‘오페라의 유령’ 역에는 조승우와 김주택 외에도 최재림, 전동석이 캐스팅됐습니다. 두 배우 모두 뮤지컬 팬층에선 이미 정평이 나있는 스타입니다. 1층과 2층의 차이는 크게 음향과 시야로 나뉘었습니다. 2층에서도 넘버를 감상하기에 모자람은 없었지만, 아무래도 배우들과 거리가 가까운 1층에서 노래가 더 또렷하게 들렸습니다. 1층의 가장 큰 장점은 역시 배우들을 더 가까이서 볼 수 있다는 겁니다. 공연이 끝난 뒤 주변 관객들과 함께 기립박수를 보내기에도 좋습니다. 모든 넘버를 한국어로 들은 건 신선한 경험이었습니다. 처음엔 익숙하지 않았지만, 계속 듣다보니 모국어가 주는 매력이 있습니다. 무엇보다도 한글 자막을 보기 위해 스크린으로 눈을 돌릴 필요가 없으니 무대에 집중하기 좋았습니다. 조금 섭섭한 점도 있습니다. ‘오페라의 유령’은 빈 무대는 물론이고, 공연이 끝난 뒤 커튼콜도 촬영하지 못하도록 했습니다. 커튼콜 촬영은 그럴듯한 ‘인증샷’을 남기려는 목적도 있지만, 나만의 추억을 저장하기 위함이기도 합니다. 꽤 비싼 티켓 값을 지불했는데 너무 깐깐하게 군다는 느낌입니다. 공연장 내부 대신 드림씨어터 곳곳에 마련된 ‘포토존’에서 인증샷을 남겨야겠습니다. 가장 부담이 되는 점은 아무래도 20만 원에 가까운 티켓값입니다. 본 공연 기준으로 VIP석 19만 원, R석 16만 원, S석 13만 원, A석 9만 원, B석 7만 원입니다. 티켓 파워가 강한 조승우가 출연하는 공연은 대부분 매진이지만 상대적으로 인지도가 떨어지는 배우들이 출연하는 날은 남는 표가 꽤 있습니다. ‘오페라의 유령’은 오는 6월 18일까지 부산에서 공연을 이어가고, 7월 14일부터 11월 17일까지는 서울 샤롯데씨어터로 무대를 옮깁니다. 공연 시간은 평일(월요일 공연 없음) 오후 7시 30분, 주말·공휴일은 오후 2시와 7시입니다. 부산 5월 공연이 포함된 3차 티켓은 오는 4월 5일 오후 2시 오픈이 확정됐습니다. 5월 9일부터 26일까지 약 3주간의 부산 공연을 예매할 수 있습니다. 공식 예매처는 드림씨어터, 인터파크, 예스24, 티켓11번가, 매표소, 페이북 등입니다. 공연을 보러 가기 전 참고하면 좋을 사항 몇 가지가 있습니다. 공연장에 늦게 도착하면 예매한 좌석이 아닌 별도의 지정석에서 관람해야 합니다. 매표소까지 에스컬레이터로 이동하는 시간이 있으니 여유 있게 도착하는 게 좋습니다. 물론 너무 늦게 지각한 게 아니라면 ‘봐주는’ 경우도 있는 모양입니다. 30일 초연은 수분 정도 지연돼 시작했는데, 1층 앞쪽 좌석에 2명의 관객이 앉은 뒤에야 공연이 시작됐습니다. 관객들의 따가운 눈총을 받지 않으려면 시간을 지켜 입장하는 건 필수입니다. 드림씨어터 관객석은 단차가 있지만, 허리를 앞으로 기울이면 뒷사람의 시야에 방해가 될 수 있습니다. 초연 당시 공연이 시작한 뒤 자리를 옮기는 관객도 있었습니다. 역시 다른 사람의 시야를 방해하니 삼가는 게 좋겠습니다. 객석 내로 반입하기 어려운 물품, 외투 등은 물품보관소에 보관할 수 있습니다. 음료의 경우 공연장 입구에 보관할 수 있는 거치대가 있습니다. 주차정산소는 공연 종료 후 20분간 운영되기 때문에 기념사진 촬영 전에 정산소부터 들르는 게 좋습니다. 포토존은 공연 전후로 인산인해를 이루는데, 20분의 인터미션 때는 비교적 촬영이 수월한 편입니다. 휴대전화 소리는 다른 관객의 몰입을 해치는 큰 민폐입니다. 반드시 무음·비행기 모드로 설정하거나 전원을 꺼둬야 합니다. 오페라 글라스나 망원경을 미리 챙기면 표정 연기도 놓치지 않을 수 있습니다. 기자는 2층에서 관람한 날 오페라 글라스를 준비하지 못해 크게 후회했습니다. 드림씨어터 홈페이지에서 공연 전날까지 사전 예약해 오페라 글라스를 대여할 수 있지만, 수량이 한정돼 있으니 예약을 서두르는 게 좋습니다. 경건한 주말 뉴스레터 구독하기 ☞https://www.busan.com/newsletter/detailGroup/newsletter2/

2023-03-31 [12:27]

[경건한 주말] 스필버그의 고백 ‘파벨만스’…인종차별 실화 ‘틸’

요리 연구가이자 외식사업가인 백종원 씨는 SBS 예능 프로그램 ‘골목식당’에서 한 주꾸미집을 찾은 적이 있습니다. 당시 백 씨는 쉰내 나는 저질 주꾸미 요리를 내놓은 업주 형제에게 크게 분노해 “공짜라도 안 온다”며 “다 만만해 보이죠?”라고 직격했습니다. 코미디언 박성광이 메가폰을 잡은 ‘웅남이’는 이와 비슷한 혹평을 받았습니다. ‘씨네21’의 이용철 평론가가 10점 만점에 3점을 매기며 “여기가 그렇게 만만해 보였을까”라는 한 줄 평을 남겼습니다. 그런데 이를 두고 누리꾼들은 ‘텃세를 부리는건가’ ‘특권의식이 보인다’ ‘영화계가 뭐 그리 대단하냐’ 등 비판을 쏟아냈습니다. 영화의 내용이나 완성도가 아니라, 코미디언이라는 박성광 감독의 ‘출신’을 비하한 것으로 해석돼 부적절하다는 겁니다. 다만, 수준 미달 작품을 내놨다면 ‘관객이 만만해 보이냐’는 비판은 온당한 것이 됩니다. 코로나19를 핑계로 만 원을 훌쩍 넘겨버린 티켓 값을 내고 영화관을 찾은 관객들은 최소한 쉰내는 나지 않는 작품을 맛보고 싶을 겁니다. ‘웅남이’와 같은 날 개봉한 외화 두 편은 이러한 관객의 기대에 부응하는 영화입니다. 영화 같은 스필버그의 인생 스토리 ‘파벨만스’ 지난 22일 개봉한 ‘파벨만스’는 자타공인 영화계 거장인 스티븐 스필버그 감독의 자전적 이야기가 담긴 영화입니다. 스필버그가 영화감독의 꿈을 품게 된 계기와 영화를 향한 그의 순수한 사랑이 담겼습니다. 유대인 가정에서 태어난 새미 파벨만(가브레일 러벨 분)의 성장과정은 스필버그 감독의 유년시절과 일치합니다. 유능한 공학자 아버지와 피아니스트 어머니 사이에서 태어난 새미는 1952년 1월 부모와 함께 생애 처음으로 찾은 극장에서 ‘지상 최대의 쇼’를 보고 영화의 세계에 눈을 뜹니다. 단숨에 영화와 사랑에 빠진 새미는 그날부터 아빠 버트(폴 다노 분)의 8mm 카메라로 일상을 촬영하기 시작합니다. 엄마 미치(미셸 윌리엄스 분)의 말대로 파벨만에게 영화는 ‘절대 잊을 수 없는 꿈’이 되었습니다. 새미는 10대가 돼서도 항상 카메라를 들고 다니며 가족들의 모습을 필름에 남기고, 보이스카우트 친구들을 배우로 섭외해 극 영화까지 만들면서 감독의 꿈을 키웁니다. 하지만 카메라가 항상 즐거움만 안겨준 것은 아닙니다. 가족 여행 중 촬영한 영상을 편집하던 새미는 아버지의 절친인 베니(세스 로건 분)와 엄마 사이에 묘한 분위기가 흐른 장면을 포착합니다. 충격을 받은 새미는 영화에 대한 열정까지 잃어버리고 카메라를 들지 않겠다고 선언합니다. 게다가 고등학교에선 반유대주의 동급생들에게 학교폭력을 당하며 마음이 꺾일 위기에 놓입니다. 3000대 1의 경쟁률을 뚫고 새미 역을 따낸 신예 가브리엘 라벨의 연기는 눈부시고, 가족을 끔찍이 사랑하지만 남편을 떠나야만 하는 엄마 역을 맡은 미셸 윌리엄스는 놀라운 호연을 펼쳤습니다. 데이비드 린치가 연기한 ‘서부극의 1인자’ 존 포드 감독의 등장은 씨네필을 위한 이스터 에그입니다. 이 작품으로 올해 1월 미국 골든글로브 시상식에서 작품상과 감독상을 수상한 스필버그 감독은 “너무 개인적인 이야기라 영화화를 주저했다”고 털어놓았습니다. 스필버그는 엄마의 불륜 사실을 60년 넘게 비밀로 유지했다고 합니다. 그는 “모두가 저를 성공 신화로 보지만, 모두에게 말할 용기를 낼 때까지 아무도 알지 못하는 이야기가 있다”며 “내가 이 이야기를 언제 할 수 있을지 알기 위해 많은 시간을 보냈고, 74세가 돼서야 ‘지금이야’라고 스스로에게 말했다”고 밝혔습니다. 영화는 결국 가족에 대한 이야기입니다. 애증의 부부 관계, 부모와 자식 간 사랑과 다툼은 누구나 공감할 법합니다. 쏟아지는 명대사에는 예술과 가족 사이에서 양자택일을 해야 했던 스필버그 감독의 고뇌가 녹아있습니다. 스필버그는 “이 영화를 통해 관객 여러분의 가족이 보였으면 좋겠다”고 소망했습니다. 유년시절을 고증하는데 애를 쓴 그는 촬영 도중 수차례 눈물을 흘리기도 했습니다. 미국 CBS 인터뷰에서 스필버그는 완성된 집 세트장이나 부모 역을 맡은 폴과 미셸의 모습이 실제와 유사해 울컥했다고 설명했습니다. 바이든이 주목한 영화 ‘틸’ 조 바이든 미국 대통령은 지난 2월 워싱턴DC에 있는 백악관 이스트룸에서 영화 상영회를 개최했습니다. 그는 상영회에 앞서 “역사를 기억한다는 것은 좋은 것과 나쁜 것, 진실, 국가로서 우리의 정체성을 조명하는 것”이라며 “위대한 국가는 역사를 전부 알아야 한다. 그래서 이 영화가 중요하다”고 말했습니다. 바이든 대통령이 조명한 영화의 제목은 지난 22일 한국서 개봉한 ‘틸’입니다. ‘틸’은 1955년 8월 친척들이 사는 미시시피주 소도시에 여행을 떠난 흑인 소년 ‘에밋 틸’(제일린 홀 분)이 백인들에게 납치 살해 당한 사건을 다룬 작품입니다. 영화는 틸의 어머니 메이미(다니엘 데드와일러 분)가 정의를 실현하기 위해 분투한 이야기를 그렸습니다. 2차 세계대전 당시 남편이 전사한 메이미에게 하나뿐인 14살 아들 에밋은 너무나 소중한 존재입니다. 두 사람은 시카고에서 행복하게 살고 있었지만, 에밋이 인종차별이 극심한 미시시피로 여행을 떠나려 하자 메이미는 불안감에 휩싸입니다. “백인들을 함부로 쳐다보지 말라”고 신신당부하고 에밋을 겨우 보냈지만 일이 손에 잡히지 않습니다. 미시시피주 소도시 머니에 도착한 에밋은 친척들과 평범한 일상을 보내다가 위기에 처합니다. 식료품 가게에서 일하던 백인 여성 캐롤린 브라이언트(헤일리 베넷)의 외모를 칭찬하고 휘파람을 불었던 게 화근이었습니다. 에밋과 사촌들은 총을 쏘려던 캐롤린에게선 간신히 벗어났지만, 캐롤린의 남편 로이 브라이언트와 시동생 J.W. 밀람이 결국 에밋을 찾아내고 맙니다. 두 백인 남자는 한밤중에 에밋을 끌고 가 극심하게 폭행하고, 사흘 뒤 에밋은 강가에서 숨진 채 발견됩니다. 당시 틸의 어머니는 처참하게 살해당한 아들의 시신을 모두가 볼 수 있도록 관 뚜껑을 연 채로 장례식을 진행했습니다. 두 백인 남자는 살인 혐의로 기소됐지만 늘 그렇듯 유족을 비난하고 피해자에게 책임을 전가하는 몹쓸 인간들이 여론을 혼탁하게 만듭니다. 제일 큰 문제는 미시시피주를 지배하던 ‘안티 블랙 시스템’입니다. 애당초 이 곳은 백인이 흑인 인권운동가를 죽여도 기소조차 되지 않던 지역입니다. 에밋의 시신을 발견했던 백인 보안관은 법정에서 거짓 증언을 하는 것도 모자라 메이미의 진의와 뒷배를 의심합니다. 백인 판사와 12명의 백인 배심원단은 틸을 살해한 이들에게 무죄를 선고합니다. 엉터리 평결은 흑인 인권운동의 기폭제가 되었고, 엄마 메이미는 필연적으로 투사가 됩니다. 영화에서 가장 돋보이는 것은 메이미 역을 맡은 다니엘 데드와일러의 열연입니다. 아들을 잃은 엄마의 울분과 정의를 되찾으려는 굳은 결의를 온몸으로 되살려 냈습니다. 메이미가 내뱉는 의미심장한 대사들은 자유와 평등의 가치에 대해 다시 한 번 생각하게끔 합니다. 다만 다소 늘어지는 전개와 단조로운 연출은 아쉬운 점으로 남습니다. 사건 당시 중요 인물이었던 캐롤린 브라이언트 던햄은 지난해 미국 현지에서 다시 화제로 떠올랐습니다. 67년 전 21살이던 캐롤린은 틸이 휘파람을 불며 자신을 희롱하고 음담패설과 성추행까지 했다고 진술한 바 있습니다. 미국 연방 법무부는 2004년과 2018년 이 사건을 재조사했지만 이렇다 할 결론을 내지 못하고 수사를 종결했습니다. 하지만 지난해 6월 캐롤린 앞으로 발부된 ‘미집행’ 영장이 르플로어 카운티 법원 지하에서 발견되면서 반전이 기대됐습니다. 검찰은 그가 납치 및 과실치사 혐의로 기소될 수 있다고 봤습니다. 그러나 르플로어 카운티 법원 대배심은 두달 뒤 연 심리에서 증거부족 등을 이유로 캐롤린을 기소하지 않기로 결정했습니다. 작년 3월 에밋의 이름을 딴 ‘에밋 틸 반(反)린치법’에 서명한 바이든 대통령은 ‘틸’ 상영회 때 흑인이라는 이유만으로 차별과 폭력을 당하는 이들이 여전히 많다면서 “우리는 침묵해서는 안 된다. 현실 부정은 더 나쁘다”라고 강조했습니다. 차별과 증오는 다양성을 거부하지만, 그 표적 만큼은 다양합니다. 스필버그 감독은 지난 4일 미국 CBS 방송에서 최근 반유대주의가 급증하는 현상이 놀랍다고 밝혔습니다. 그는 “반유대주의는 항상 존재했다. 시야에서 살짝 벗어나 잠복해 있거나, 1930년대 독일처럼 노골적이었다. 하지만 반유대주의가 숨어있지 않고 마치 히틀러와 무솔리니처럼 옆구리에 손을 얹은 채 당당하게 서 있는 것은 30년대 독일 이후로 본 적이 없다”며 “내 평생, 특히 이 나라(미국)에서는 이런 것을 경험해본 적이 없었다”고 경악했습니다. 그는 이어 “하지만 다수 인종에 속하지 않은 사람을 소외시키는 행태가 몇 년 동안 우리를 향해 소리 없이 다가오고 있다”면서 “증오가 미국에서 일종의 클럽 회원이 됐고, 이 클럽은 생각했던 것보다 더 많은 회원을 모았다”고 지적했습니다. 그는 그러면서도 안네 프랑크의 말을 인용해 “프랑크는 대부분의 사람이 선하다고 했고, 나는 그 말이 옳다고 본다”며 “본질적으로 우리의 마음속에는 선함이 있다고 생각한다”고 덧붙였습니다. 경건한 주말 뉴스레터 구독하기 ☞https://www.busan.com/newsletter/detailGroup/newsletter2/

2023-03-24 [16:16]

[경건한 주말] 장르에 충실한 ‘이니셰린의 밴시’·‘플레인’

장르의 경계를 넘나드는 영화가 인기입니다. 제95회 아카데미 시상식에서 7관왕에 오른 ‘에브리씽 에브리웨어 올 앳 원스’는 장르를 쉽게 규정하기 힘든 영화입니다. 공상과학(SF), 액션, 코미디, 드라마, 어드벤처 등 여러 장르의 요소가 녹아 있습니다. 지난 15일 개봉한 외화 두 편은 이러한 흐름을 거스르는 작품입니다. ‘이니셰린의 밴시’는 블랙코미디의 교보재 수준이고, ‘플레인’은 흥미진진한 액션 스릴러의 표본입니다. 두 영화 모두 장르만 입맛에 맞으면 후회하지 않을 수작입니다. 단절이 불러오는 증오…‘이니셰린의 밴시’ ‘도어 슬램’이라는 말이 있습니다. 성격유형 검사인 ‘MBTI’를 하다가 알게 된 용어인데요. 문을 쾅 닫고 나가는 것처럼 일순간에 관계를 단절해버리는 행위를 의미합니다. 기자처럼 ‘INFJ’ 성격유형을 가진 사람들의 특징이라고 합니다. 돌이켜보니 내 가치관에 맞지 않는 ‘선 넘는’ 언행 탓에 관계를 단절해버린 사람이 몇몇 떠오릅니다. 지난 15일 개봉한 영화 ‘이니셰린의 밴시’에도 도어 슬램이 등장합니다. 아일랜드의 외딴 섬마을 이니셰린에 사는 콜름(브렌단 글리슨 분)과 파우릭(콜린 패럴)은 매일 오후 2시면 동네 술집에서 만나는 소문난 ‘절친’입니다. 그런데 어느 날부터 콜름은 파우릭을 유령 취급합니다. 파우릭이 이유를 캐묻자 콜름은 “그냥 이제 자네가 싫어졌어”라고 대답합니다. 하루아침에 절교를 통보 당한 파우릭은 끈질기게 콜름에게 달라붙어 속내를 추궁합니다. 콜름은 파우릭과의 대화가 ‘무의미’하다고 느꼈고, 남은 인생은 사색과 작곡으로 마무리하고 싶다고 털어놓습니다. 콜름과 ‘즐겁고 평범한’ 대화를 나눴다고 생각한 파우릭은 황당함을 감추지 못합니다. 그러나 콜름의 결심은 단호합니다. ‘다시 말을 걸면 내 손가락을 잘라서 보내겠다’며 제발 자신을 가만히 두라고 부탁하기까지 합니다. ‘쓰리 빌보드’(2018)로 블랙코미디의 정수를 선보인 마틴 맥도나 감독의 신작 ‘이니셰린의 밴시’는 절교한 두 중년 남성의 이야기를 다룹니다. 줄거리는 단순해 보이지만, ‘21세기 셰익스피어’로 불리는 맥도나 감독의 탄탄한 각본과 배우들의 명연기가 조화를 이뤄 흡인력이 상당합니다. 영화의 배경인 1920년대 아일랜드는 내전이 한창이었습니다. 같은 동네에서 절친하게 지내던 두 사람이 소통의 부재로 증오심을 쌓는 과정은 내전과 비슷한 양상을 띱니다. 시덥잖은 명분으로 자기 손가락을 잘라내 파우릭의 집 앞에 던지는 콜름이나, 극심한 피해를 감수하고 전쟁을 벌여대는 인간들이나 이해하기 힘든 건 매한가지입니다. 인간에게 죽음을 예고하는 아일랜드 요정 ‘밴시’의 경고에도 파국으로 치닫는 두 사람의 모습에선 예고된 비극으로 힘차게 달려갔던 어리석은 인간 역사가 보입니다. 영화는 또 다양한 인간 군상과 복잡다단한 인간 감정을 시사합니다. 멍청하고 지루하지만 다정한 파우릭도, 사색과 음악을 즐기며 후대에 길이 남을 의미 있는 일에 몰두하는 콜름도 어디에나 있을 법한 인물입니다. 대립하는 두 사람을 지켜보면 다정함과 자아성취가 양립할 수는 없는 걸까 자문해 보게 됩니다. 자신의 강점으로 다정함을 내세우면서도 난폭하게 변해가는 파우릭과 모차르트가 언제적 사람인지 헷갈리는 헛똑똑이 콜름은 씁쓸한 실소를 자아냅니다. 고즈넉한 자연경관이 만들어낸 영상미와 배우들의 호연도 관람 포인트입니다. ‘킬러들의 도시’(2008)와 ‘세븐 싸이코패스’(2012)에 이어 세 번째로 맥도나 감독과 호흡을 맞춘 콜린 패럴은 팔자 눈썹을 한 시골 촌뜨기 파우릭을 완벽하게 연기했습니다. ‘킬러들의 도시’ 이후 두 번째로 맥도나 감독과 함께 한 브렌던 글리슨의 연기도 안정적입니다. 올해 1월 제80회 골든글로브 시상식에서 ‘이니셰린의 밴시’는 작품상과 각본상, 남우주연상까지 3관왕을 차지했습니다. 이어 지난 13일 열린 제95회 미국 아카데미(오스카) 시상식에선 주·조연 배우 4명이 모두 연기상 후보에 오른 것을 포함해 총 9개 부문에 노미네이트 돼 화제가 됐습니다. 여우조연상 후보였던 케리 콘돈은 파우릭과 함께 사는 똑똑한 여동생 시오반을, 남우조연상 후보였던 배리 케오간은 경찰인 아빠에게 학대 당해 심리가 불안한 청년 도미닉을 훌륭하게 소화했습니다. 다만 ‘이니셰린의 밴시’는 후보에 오른 9개 부문에서 모두 수상의 고지를 넘지 못했습니다. 주말 킬링타임으로 제격인 제라드 버틀러의 ‘플레인’ 제라드 버틀러가 주인공인 액션 영화엔 일종의 공식이 있습니다. 고난도 액션으로 악당들을 때려잡다가 위기의 순간에 희생적인 영웅정신을 발휘해 결국 소중한 사람을 지켜내는 식입니다. 스토리가 단조로워 지겨울 수도 있지만, 완급 조절에 능한 감독만 만나면 재미있고 통쾌한 팝콘무비가 탄생합니다. 영화 ‘플레인’은 다행히 후자에 속합니다. 줄거리부터 흥미롭습니다. 책임감 강한 여객기 기장인 토렌스(제라드 버틀러 분)는 연말에 14명의 승객을 태우고 여느 때처럼 조종간을 잡습니다. 오랜만에 아빠와 새해를 맞이하기로 한 토렌스의 딸은 비행 직전에 전화를 걸어 ‘늦으면 안 된다’고 신신당부합니다. 하지만 ‘고물’ 비행기는 악천후를 만나자 고장나 버리고, 호송 중이던 살인 전과자 ‘가스파레’(마이크 콜터 분)를 포함한 모두가 절체절명의 위기에 빠집니다. 다행히 영국공군 출신의 베테랑 기장 토렌스는 기지를 발휘해 외딴 섬에 불시착하는데 성공합니다. 하지만 통신이 끊겨 구조 요청을 할 수 없는 상황이고, 가스파레를 감시하던 경찰관은 비상착륙 과정에서 숨졌습니다. 설상가상으로 하필 이 섬은 분리주의자와 용병이 득시글거리는 무법지대입니다. ‘플레인’은 긴박한 전개 속에 박진감 넘치는 액션을 녹여낸 고전적인 액션 스릴러물입니다. 꽤나 현실적인 설정과 사실적인 액션이 몰입을 돕습니다. 승객을 구하기 위해 고군분투하는 ‘캡틴’ 토렌스는 충분히 매력적입니다. 프랑스 외인부대 출신인 가스파레는 극에 긴장감을 불어넣는 캐릭터입니다. 토렌스와 가스파레의 묘한 공조, 항공사가 승객들을 구하기 위해 고용한 용병과 무장세력 간의 충돌씬도 재미를 더합니다. 어설픈 신파를 최대한 배제한 것도 호감 요인입니다. 관객 평가는 대체로 좋은 편입니다. 기자처럼 큰 기대를 하지 않고 본 관객들이 ‘의외로 재미있다’고 입을 모으고 있습니다. 17일 현재 ‘플레인’의 CGV 골든에그 지수는 94%로 양호한 편입니다. “최근 본 한국 영화보다는 재밌었다”는 평가도 적지 않아 쓴웃음이 나기도 합니다. 사실 앞으로 상영이 예정된 한국 영화 중에도 기대작은 많지 않습니다. 올해 2월 기준 한국 영화 관객 점유율은 최근 20년 중 가장 낮았다고 합니다. 박스오피스 상위권을 석권하는 외화들을 바라보는 영화인들의 심정도 편하지는 않을 겁니다. 한국 영화계의 분발을 기대합니다.

2023-03-17 [15:50]

[경건한 주말] 김 새는 스릴러 ‘똑똑똑’…신선한 멜로 ‘6번 칸’

극장가에 일본 애니메이션 열풍이 불고 있습니다. ‘슬램덩크’와 ‘귀멸의 칼날’이 연이어 관객몰이에 성공했고, 지난 8일 개봉한 ‘스즈메의 문단속’은 박스오피스 1위를 지키고 있습니다. 일본 애니메이션 특유의 감성은 충분히 매력적입니다. 하지만 이 특유의 감성을 선호하지 않는 관객도 적지 않습니다. 이런 관객들을 위해 ‘스즈메의 문단속’과 같은 날 개봉한 외화 두 편을 소개합니다. 시작은 창대했으나 끝은 미약한 ‘똑똑똑’ 영화 ‘똑똑똑’은 ‘식스센스’로 단숨에 명장의 반열에 오른 M. 나이트 샤말란 감독이 내놓은 신작입니다. ‘올드’(2021), ‘23아이덴티티’(2017) 등 그의 필모그래피는 참신하고 소름 돋는 영화들로 가득합니다. 영화의 시작은 황당하면서도 신선합니다. 가족이 머물고 있는 오두막에 무기를 든 4명의 성인남녀가 찾아옵니다. 꿈에서 세상의 종말을 보고 모여든 이들은 가족 중 한 명이 다른 가족에 의해 희생되어야만 인류가 멸망하지 않는다고 주장합니다. 터무니없는 소리를 들은 가족은 당연히 이를 거부합니다. 그러나 거절의 순간마다 세상에 재앙이 닥쳤다는 소식이 TV에서 나오고, 일행은 극단적인 의식을 동원해 가족을 설득합니다. 재앙이 거듭될수록 멸망론은 설득력을 얻고, 굳건하던 가족의 마음은 조금씩 흔들립니다. 영화는 선택을 강요하는 상황의 반복을 통해 몰입감을 줍니다. 스릴러의 대가인 샤말란 감독의 연출은 긴장감을 배가합니다. 타이트한 촬영과 긴박한 음악이 서스펜스를 고조시킵니다. ‘나라면 이 딜레마를 어떻게 해결할까’ 고민해도 답이 쉽게 나오지 않습니다. 흥미진진한 초반부에 비해 결말은 아쉬움이 남습니다. 갈등은 결국 가족의 선택으로 끝을 맺는데, 충격을 줄 만한 반전은 없습니다. 샤말란 감독의 명성에 비하면 싱거운 마무리입니다. 다수의 안녕을 위해 소수자에게 가해지는 압박이라는 메시지는 되새겨볼 만 합니다. 일행의 리더인 레너드를 연기한 데이브 바티스타의 호연도 인상적입니다. 미국 프로레슬링 스타 출신인 바티스타는 배우로 전향한 뒤 어수룩하지만 힘이 센 캐릭터를 주로 맡아 연기의 폭이 좁다는 평가를 받았습니다. 그러나 바티스타는 이번 작품에서 결이 다른 연기를 펼쳤습니다. 인류의 구원을 위해 낯선 이에게 잔인한 선택을 강요해야 하는 교사의 복잡한 내면을 자연스럽게 표현했습니다. 접촉의 힘 보여주는 ‘6번 칸’ 핀란드 여자 라우라(세이디 하를라 분)는 러시아 모스크바에서 유학 중인 고고학 전공자입니다. 1만 년 전에 새겨졌다는 ‘암각화’를 연인이자 문학 교수인 이리나(디나라 드루카로바 분)와 함께 보기 위해 러시아 최북서단인 무르만스크행 열차 티켓을 예매했습니다. 러시아 남자 료하(유리 보리소프 분)는 태어난 김에 사는 것처럼 보이는 한량입니다. 대규모 광산이 있는 무르만스크에서 사업을 하겠다며 열차에 올랐습니다. 그렇게 두 사람은 무르만스크로 향하는 열차 2등석 ‘6번 칸’에서 만나게 됩니다. 제74회 칸영화제 심사위원 대상 수상작인 ‘6번 칸’은 도저히 어울릴 것 같지 않은 두 사람이 3일 동안 함께 여행하면서 벌어지는 이야기를 그렸습니다. 둘의 첫 만남은 최악입니다. 이리나가 사정이 생기는 바람에 홀로 6번 칸에 타게 된 라우라는 대낮부터 보드카를 마시는 료하와 마주합니다. 라우라는 그런 료하를 피해 식당 칸에서 시간을 보내지만, 마감시간이 되자 결국 6번 칸으로 돌아갑니다. 료하는 이제 담배까지 피우고 술주정을 합니다. 국수주의적 발언을 하더니 성희롱까지 하네요. 라우라는 6번 칸에서 벗어나려 하지만 별다른 방법이 없습니다. 료하에겐 따뜻한 면도 있기는 합니다. 라우라에게 끊임없이 관심을 표하고 친해지려 합니다. 그러나 라우라가 암각화를 보러 무르만스크에 간다고 하자 겨우 ‘돌멩이’를 보러 거기까지 가느냐며 황당해 합니다. 그야말로 물과 기름 같은 조합입니다. 하지만 시간이 지나면서 두 사람의 감정에는 변화가 생깁니다. 라우라는 꾸밈 없고 순수한 료하의 모습에 매력을 느끼고 서서히 그에게 스며듭니다. 그런데 막상 라우라가 다가오자 료하는 숨어듭니다. 사람에게 받은 상처가 아물지 않은 것 같습니다. 두 사람은 서로를 밀고 당기는 과정에서 한층 가까워지고 성장합니다. 아름다운 추억이 담긴 캠코더 속에 갇혀 살던 라우라는 열차가 목적지에 도착할 즈음 미련을 던져버리고 과거에서 벗어납니다. 라우라와 료하가 가까워지는 이유는 말로 설명하기 어렵습니다. 유호 쿠오스마넨 감독은 영화에 대해 “급류를 향해 점점 더 빠른 속도로 흐르다가 둘 사이의 좁은 틈 사이를 으르렁거리며 마침내 고요한 호수 표면으로 흘러가는 강과 같다”면서 “내 목표는 모든 부조리 속에서 삶을 편안하게 받아들이면서 관객을 영화관 밖으로 안내하는 것”이라고 밝혔습니다. 영화는 한편으로 ‘접촉’의 의미를 되새기게 합니다. 우리는 편견을 배양하기에 이상적인 사회에서 살고 있습니다. 날이 갈수록 사회가 세분화되면서 차별과 단절이 깊어지고 있습니다. 빈자와 부자, 노인과 젊은이, 여성과 남성, 이민자와 정주자로 나뉘어 서로를 쉽게 혐오하고 타자화합니다. 해법은 생각보다 간단합니다. 독일 언론인 바스티안 베르브너는 저서 ‘혐오 없는 삶’에서 “더 많이 접촉하고 더 가까이 있을수록 편견은 줄어든다”고 설명합니다. 생각과 배경이 다른 ‘적대자’라도, 서로 직접 만나보고 알아가면서 절친한 사이가 될 수 있다는 겁니다. 접촉이 많고 접근이 가까울수록 편견이 적어지고 공감이 늘어난다는 사실을 여러 사례와 통계가 증명합니다. ‘6번 칸’ 속 라우라와 료하도 처음엔 도저히 친해질 수 없는 ‘적대자’처럼 보였습니다. 하지만 두 사람이 접촉하고 서로를 알아가면서 애정이 싹트는 기적 같은 일이 벌어졌습니다. 지금 우리에겐 다른 생각을 가진 사람들을 제대로 알아갈 수 있는 ‘6번 칸’ 같은 장소가 필요합니다.

2023-03-10 [15:16]